Det pleide å være at de fleste likte å tenke på kreativitet som et glimt i mørket - en plutselig, mystisk, epifanisk bolt som satte igang etableringen av et maleri eller et dikt eller nyskapende virksomhet. Men det er en økende interesse for å dissekere og analysere den kreative prosessen.
Med utgivelsen av Jonah Lehrers nye bok, Imagine: How Creativity Works, har vitenskapen om kreative handlinger vært i medienes sinn nylig. Lehrer gjorde et flott intervju med Dave Davies på NPRs Fresh Air forrige uke om boken hans, som fokuserer spesielt på kreativitet på arbeidsplassen.
Ved å utforske de kognitive og atferdsmessige detaljene til, for eksempel, produktutviklingsteamet som kom med Swiffer, får Lehrer forestillingen om at kreativitet ikke er det geniale gresset. En hel kjede av hendelser og mange mennesker er ofte involvert i å tippe en ide til den blir en god en.
Buzz om Lehrers bok begynte omtrent den gangen jeg leste opp om det samme emnet i et mye mer avsidesliggende domene. På en måte gir Imagine litt popkulturvalidering til mennesker som Naomi Braithwaite, en stipendiat ved Nottingham Trent University i Storbritannia, hvis doktorgradsavhandling ser på kreativitetens rolle i skodesign i den britiske motebransjen. Forskningen hennes "svarer på samtidskulturens uttalelse av skodesigneren som 'kreativt geni', der det som denne kreativiteten innebærer, fortsatt ikke er tilstede. Symptomatisk på designdiskursen er at kreativitet ofte blir likestilt med… den inspirerte fantasien til den enkelte designer. I denne sammenheng fremstår kreativitet som en uvesentlig prosess som stiller spørsmålet: Hvordan blir ideer sko? ”
I likhet med Lehrer, hevder Braithwaite at et kreativt produkt - i dette tilfellet en sko - ikke kommer ut av et individs inspirasjonsblitz, men fra ”et nettverk som involverer mange personer, prosesser og materialer; det er både relasjonelt og transformativt. En høyhælsko for damer er for eksempel sammensatt av minst 12 forskjellige materialer og vil ha flyttet gjennom over 50 forskjellige produktive operasjoner. ”
Braithwaite gjennomførte en oppslukende etnografisk studie der hun ikke bare observerte og intervjuet skodesignere, hun trente også på å bli en selv ved London College of Fashion. Det hun fant ut i løpet av forskningen, var at det var en sterk forbindelse mellom de sensoriske elementene ved skomakere - lukten av lær, følelsen av slangeskinn, lyden av hamring, de fysiske bevegelsene til å tråkke på en symaskin eller tøye tå —Og den endelige formen på skoen. Enhver av disse sansebaserte opplevelsene kan fremkalle minner eller bilder som påvirker stilen, formen, fargen, tekstur og ånden i designen. "Materialer i seg selv er en massiv trigger gjennom kroppslig engasjement, " sier hun, "det er sanseopplevelse som griper tak i og virker på den enkelte designers kropp, og stimulerer kreativ tanke."
Braithwaites tilnærming følger "paradigmet om plassering", en teori presentert av den kanadiske antropologen David Howes i sin bok Empire of the Senses, som antyder at det er noe utenfor sinnets kroppsforbindelse når det gjelder å skaffe seg kunnskap eller opptre kreativt, det er et "sanselig innbyrdes forhold til sinn-kropp-miljø. ”Med andre ord kan skoene dine ha satengfôr fordi designeren hadde satengbind til en spesielt minneverdig teaterforestilling da han var 5 år.
Men det er ikke veldig overraskende. De fleste av oss tar for gitt at livserfaringen vår informerer om vår kreative produksjon. Det jeg fant interessant fra Braithwaites avhandling var at industrialisering og masseproduksjon av sko (eller andre produkter) ikke nødvendigvis reduserer sanseopplevelsens rolle i kreativitet. Konteksten endres - skomakere okkuperer fabrikkgulv, driver gigantiske varmepresser og laserskjærere og sergers - men kroppene og sansene våre er fremdeles helt engasjert i prosessen. "Selv om produksjonen er teknologidrevet, initieres alle maskiner og prosesser av kroppslige gester, " påpeker hun, "det gjøres i en maskin, men en person legger skoen dit, pakker inn materialet, og maskinen blir ført, om ved foten eller for hånden. Det er en ferdighet, du må lære hvordan maskinen fungerer, hvordan bevegelsen går. Du må lære å kontrollere det. Håndverk er fremdeles en veldig tydelig ferdighet i den moderne skomakerindustrien. ”
Fordi masseproduksjon skaper så konsistente produkter, er det sjelden at forbrukere oppdager de subtile menneskelige elementene som er innebygd i skoene sine. Men designeren ser det alltid, sier Braithwaite. ”Det som slo meg mest da jeg jobbet med skodesignere var at de aldri hadde på seg egne sko, bortsett fra på et kommersielt arrangement der det var nødvendig for promotering. De orket ikke å se skoene på egne ben, fordi alt de kunne se var hvordan det ikke var så perfekt som de forestilte seg. ”
Og denne observasjonen avslører hva som etter min mening er det mest overraskende og fascinerende stykket av Braithwaites forskning (selv om det virkelig er temaet for en helt annen bok, og hvis ingen har skrevet den, håper jeg at de gjør det). Fenomenet hun beskriver, av at designere konsekvent er misfornøyde med skapelsen når de blir sett på egne ben, ble bare opplevd av kvinnelige designere. Mannlige designere, derimot (i det minste de aller fleste), ville ikke sette en kvinnes pumpe på egen fot for å evaluere dens estetiske verdi, og ville derfor ikke oppleve en sammenheng mellom personlig selvkritikk og kritikken av deres arbeid. Faktisk, sier Braithwaite, sa mennene hun intervjuet oftere at de følte skuffelse med en sko da hun først så den dukke opp fra fabrikken, og at den ikke så "riktig ut" før de så den på en kvinnes fot. Det slår meg at dette funnet har noen betydelige konsekvenser for opplevelsen av mannlige kontra kvinnelige designere i enhver bransje der produktene er kjønnede. Hvis noen har forskning, ressurser eller generelle tanker om emnet, er jeg ivrig etter å høre.
