"Lyset er fantastisk i Washington, [DC]" sa kunstneren Anne Truitt i et intervju nær slutten av livet. “Jeg har mange liv med venner her. Det er breddegrad og lengdegrad jeg ble født på. ”
Truitt, stort sett kjent for sine rikt fargede columnar skulpturer og ofte assosiert med minimalisme og Washington Color Field, hevdet byen som sitt hjem i mer enn 50 år. "Det er som omverdenen må matche en eller annen personlig horisontal og vertikal akse, " skrev hun i Daybook, den første av tre selvbiografiske tidsskrifter hun publiserte på 1980- og 1990-tallet. “Jeg må stille opp med det for å være komfortabel. ... Jeg plasserer meg i Washington, nesten presist på breddegrad og lengdegrad i Baltimore, der jeg ble født, og i Eastern Shore of Maryland der jeg vokste opp. ”
Det første retrospektivet av Truitt sin hele 50-årige karriere, som ble vist fra 8. oktober til 3. januar på Hirshhorn Museum, inneholder mer enn 80 abstrakte skulpturer, malerier og tegninger som aldri fullstendig mesh med kritikernes definisjoner, og heller ikke førte Truitt notoriteten likte av jevnaldrende som Kenneth Noland, Morris Louis og Donald Judd.
Selv om noen kritikere hevdet at hun kan ha blitt en større stjerne hadde hun flyttet til New York City, visste Truitt at Washington var der hun gjorde sitt beste arbeid. Det var et sted hun vendte tilbake igjen og igjen med mannen sin, journalisten James Truitt, mellom hans stints som jobbet i Texas, New York, California og Japan for Life, Time, Newsweek og Washington Post . Hennes år med James i Kennedy-tiden var en uskarphet av uendelig samvær med journalister, kunstnere, politikere og andre tjenestemenn i Camelot-tiden.
Etter at ekteskapet deres ble avsluttet i 1969, levde hun et roligere liv. Hun kjøpte et hus i Washingtons nabolag i Cleveland Park, hvor hun oppdro sine tre barn, bygde et studio og laget skulpturer til hun døde i 2004, 83 år gammel.
Truitt satte pris på kontinuitet, og i likhet med Washington ga kunstverkene hennes en annen slags akse for livet hennes. For Truitt var de objekter som eksisterte utenfor den lineære progresjonen i livet hennes, objekter som legemliggjorde hennes fysiske og emosjonelle møter med mennesker, steder og andre verk som litteratur. "Hun kom til å føle at skulptur for henne var en måte som tiden egentlig stod stille, " sier Kristen Hileman, lektor for kurator ved Hirshhorn. Truitt startet opprinnelig med å skrive fiksjon, men ble frustrert over konvensjonene i fortellingen, sier hun.
En dag sto jeg i stuen til huset vårt på East Place i Georgetown, en nydelig, solrik liten stue, og jeg tenkte med meg selv: 'Hvis jeg lager en skulptur, vil den bare stå rett opp og årstidene vil gå rundt det, og lyset vil gå rundt det, og det vil ta tid, 'sa Truitt i et muntlig historieintervju fra 2002 gjennomført av Smithsonians arkiv for amerikansk kunst. "Så jeg sluttet å skrive, og jeg ringte Institute of Contemporary Art, og jeg meldte meg inn, og jeg begynte i januar og studerte i ett år. Det er all kunsttrening jeg noen gang har hatt. ”
De formative årene
Før han flyttet til Washington, bodde og jobbet Truitt i Boston i flere år. Hun var utdannet ved Bryn Mawr College, og hadde avvist en invitasjon til å satse på en doktorgrad. på Yales psykologiavdeling etter å ha skjønt at hun foretrakk å jobbe direkte med mennesker. Truitt jobbet om dagen på det psykiatriske laboratoriet ved Boston Massachusetts General Hospital og om natten som sykepleierhjelp. Uten sine erfaringer med sykepleie, sa hun, ville hun aldri blitt kunstner. Arbeidet dyrket i henne en slags fysisk innlevelse for andre.
”Jo mer jeg observerte omfanget av menneskelig eksistens - og jeg var full av smerter i de krigsårene da vi hadde kamp mot utmattelsespasienter på det psykiatriske laboratoriet om dagen, og jeg hadde plaget pasienter under hendene mine om natten - jo mindre overbevist ble jeg at jeg ønsket å begrense mitt eget spennvidde til å videreføre det psykologene ville kalle 'normalt', ”skrev Truitt i Daybook . "Og i lys av det jeg leste - DH Lawrence, Henry James, TS Eliot, Dylan Thomas, James Joyce, Virginia Woolf - hadde jeg begynt å se at min naturlige sympati lå hos mennesker som er uvanlige snarere enn vanlig."
Likevel var ikke hennes arbeid som sykepleierhjelper hennes første møte med smerter og sykdom. Hun ble født i en velstående familie og tilbrakte sitt første tiår med glede å utforske kysten nær Easton, Md. Hun og hennes yngre tvillingsøstre ble undervist av en privatlærer, og hennes Radcliffe-utdannede mor leste regelmessig for dem. Men da Truitt var 12 år gammel, herjet depresjonen i familieinntekten, og foreldrenes helse begynte å avta. Herr Truitt slet med alkoholisme og depresjon, og moren hennes fikk diagnosen neurasteni, preget av kronisk tretthet og svakhet. Den unge Anne hadde ofte ansvar for å drive husholdningen.
Hun og søstrene tilbrakte ett år hos en tante og onkel i Charlottesville, Va., Og ble deretter sammen med foreldrene sine i Asheville, NC, der faren deres ble behandlet og hvor Truitt følte seg "eksil." Hun kom inn i Bryn Mawr i en alder av 17, men på slutten av sitt første semester, døde hun nesten da appendiksene hennes brast under et besøk i en venns hus på østkysten. Da familiens økonomi falt videre, reddet et stipend henne fra å måtte droppe fra college. Neste år fikk Truitt mor diagnosen en hjernesvulst, og Truitt tilbrakte mange timer på toget mellom Pennsylvania og Asheville til moren døde senere samme år.
Truitt ville senere destillere disse stedene, hendelsene og minnene inn i arbeidet sitt. Hun mente opplevelser - spesielt vanskelige eller smertefulle - var "grunnen som kunsten vokser ut", som hun sa i sitt muntlige historieintervju. “Folk snakker som om kunst var noe man gjorde med øynene og hjernen, men det er det ikke. Det er noe som vokser ut av en jord. ”
A Wall for Apricots, Anne Truitt, 1968. (The Baltimore Museum of Art: Gift of Helen B. Stern, Washington, DC. Artwork © Estate of Anne Truitt / The Bridgeman Art Library) 
Anne Truitt i sitt studio på Twining Court, Washington, DC, 1962. (© John Gossage) 
Valley Forge, Anne Truitt, 1963. (The Rachofsky Collection. Kunstverk © Estate of Anne Truitt / The Bridgeman Art Library. Foto med tillatelse fra Danese Gallery, New York) 
Elixir, Anne Truitt, 1997. (Med tillatelse fra Matthew Marks Gallery, New York / Foto av Lee Stalsworth. © The Estate of Anne Truitt / The Bridgeman Art Library) 
Først Anne Truitt, 1961. (The Baltimore Museum of Art: Gift of the artist, Washington, DC. Artwork © Estate of Anne Truitt / The Bridgeman Art Library) 
Southern Elegy, Anne Truitt, 1962. (Estate of Anne Truitt. Artwork © Estate of Anne Truitt / The Bridgeman Art Library. Photo by Lee Stalsworth) Livet i Washington, DC
Truitt ankom Washington med sin nye mann i 1947, og opplevelsen av å flytte til byens øvre sosiale kretser føltes som å flytte inn i en skoeske, sa hun. "Jeg kunne ikke tro konsistensen, " sa hun i 2002. "Jeg antar at det var ... det faktum at alle ble tatt så godt vare på og at det var et visst nivå av at alle var de samme. De hadde alle blitt utdannet. Kvinnene hadde aldri jobbet. Så jeg syklet ganske enkelt på toppen av all min erfaring. Jeg nevnte det ikke. Jeg har aldri snakket om meg selv, for en ting. Det er selvfølgelig ikke høflig å snakke om deg selv. ”
Mannen James jobbet opprinnelig for det amerikanske utenriksdepartementet, og mange av Truitts 'venner var i CIA, inkludert toppfunksjonær Cord Meyer og hans kone Mary Pinchot Meyer, en abstrakt maler som Anne en gang delte et studio med. “Jeg fløt rundt i den verdenen… Jeg la ikke merke til hva som foregikk. Og husk at mye var hemmelig. Folk var skjult, ”fortalte hun kunstforsker James Meyer i et intervju fra 2002 publisert i Artforum .
James ble Washington Bureau of Life of Life og deretter visepresident for Washington Post . Gjennom sin stilling og Annes engasjement i Institute of Contemporary Art underholdt Truitts jevnlig de ruvende figurene i sin tid, inkludert Truman Capote, Marcel Duchamp, Clement Greenberg, Isamu Noguchi, Hans Richter, Ruffino Tamayo og Dylan Thomas.
Et vendepunkt
Det var i 1961 at Truitt opplevde et kunstnerisk vendepunkt mens han så på arbeidet til Ad Reinhardt, Barnett Newman og Nassos Daphinis i utstillingen "American Abstract Expressionists and Imagists" på Guggenheim-museet i New York City. Verket “Omvendt [d] hele min måte å tenke på hvordan man lager kunst”, skrev hun i Prospect, den tredje av publiserte tidsskrifter. I stedet for å vente på at kunsten skulle komme ut av materiale, innså hun at hun, som disse kunstnerne, kunne ta kontroll over materialet for å synliggjøre sine egne ideer.
"Jeg var så spent den kvelden i New York at jeg knapt sov, " skrev hun. ”Jeg så også at jeg hadde frihet til å lage hva jeg valgte. Og plutselig fløt hele landskapet i barndommen inn i mitt indre øye: vanlige hvite tavlgjerder og hus, fjøs, ensomme trær i flate åkrer, alt sammen satt i de brede, svingete tidewaters rundt Easton. Med ett slag forvandlet lengsel etter å uttrykke meg meg til en lengsel etter å uttrykke hva dette landskapet betydde for meg ... ”
Like etter laget Truitt First, en treskulptur som lignet et hvitt stakittgjerde. Hun fikk også mer plass til arbeidet sitt midt i ektemannens sosiale engasjement og barnas behov, og hun investerte pengene hun hadde arvet fra familien i karrieren. Det var ikke mange kvinnelige kunstnere av hennes størrelse og alvor som også var koner og mødre, sier James Meyer, professor i kunsthistorie ved Emory University. Truitt trengte ikke kvitte seg med alt annet i livet for å gjøre kunsten hennes, og hun var heller ikke en dabbling amatør, konstaterer han.
Over tid begynte Truitt å konstruere mer abstrakte, vertikale treformer dekket av flere titalls lag med maling. Hun hadde sitt første show på André Emmerich Gallery i New York i 1963. Kritiker Clement Greenberg anså henne som en forløper for den minimalistiske bevegelsen. Men mens minimalistiske kunstnere prøvde å rense sitt arbeid med mening og fjerne deres arbeid til dets mest grunnleggende trekk, prøvde Truitt å fylle arbeidet sitt med mening og utløse emosjonelle assosiasjoner hos seerne, sier Hirshhorns Kristin Hileman. Som Truitt forklarte i et Washington- intervju fra 1987: “Jeg har aldri tillatt meg å bli kalt en minimalist, etter min egen høring. Fordi minimal kunst er preget av nonreferentiality. Og det er ikke det jeg er preget av. [Mitt arbeid] er fullstendig referensiell. Jeg har kjempet hele livet for å få maksimal mening i enklest mulig form. ”
Hun var veldig beskyttende for kunsten sin, sier James Meyer. "Hun ville forsvare kunsten sin veldig intenst hvis den ble vist feil, eller hun følte at den ble misforstått." Truitt var spesielt frustrert da kritikere - nesten alle menn på 1960-tallet - koblet formen og innholdet til arbeidet sitt til sitt kjønn. Hun ble en gang beskrevet i en artikkel som den "blide kona" til James Truitt.
En kunstners liv
Avslutningen av Truitt ekteskap i 1969 "satte meg fri til å undersøke og undersøke mine egne standarder, å bekrefte noen, forkaste noen og danne nye for meg selv og for min familie, " skrev hun i Turn, sin andre bok. Den dagen hennes nye hus ble hennes, sier hun, “Jeg åpnet min egen inngangsdør med min egen nøkkel, og gikk rett ut på bakken bak huset og la meg på det, blant de høye mai-gressene, vel vitende om at det var mitt .”
For å få endene til å møtes underviste hun ved University of Maryland, først som foreleser og deretter professor, og innlemmet kunsthistorie og litterær og filosofisk kontekst i klassene sine. Hun holdt universitetsdekkende forelesninger om samtidskunst og ble hedret som en ”fremragende lærer. Truitt ble forelsket i undervisning og forble på universitetet i 21 år, beriket av å "se studenter reise ut i verden."
Truitt ble stamgjest hos Yaddo, en kunstnerkoloni i Saratoga Springs, NY, hvor hun fungerte som fungerende direktør i 1984. Og hun begynte å følge en ikke-sekterisk åndelig praksis som oppsto i India. Hennes vegetariske kosthold, avholdenhet fra alkohol og meditasjon lignet lite på hennes sosiale liv 20 år tidligere.
Hun deltok heller ikke i byens kunstscene. Fotograf John Gossage, som ble venn med Truitt da hun brukte et studio i samme bygning som hans, sier at hun ikke passet inn i den "macho male" bohemiske kunstbarverdenen. Med sin gamle skole, Bryn Mawr-oppførsel, kom hun på som mer kunsthistoriker, sier han.
Hun var stolt av hvordan hun vellykket balanserte arbeid og familieliv og insisterte på at det var mulig for kvinner å ha begge deler. "Du må bare gjøre deg opp for å gjøre det, " sa hun. "Det må være verdifullt nok for deg å jobbe hardere, stå opp tidligere, gå til sengs senere, beholde humøret." Med et Guggenheim Fellowship bygde hun et lite fiskershackstudio i hagen sin, bare noen skritt fra der hun oppdra barna hennes.
Likevel erkjente hun at energien hennes arbeid krevde, etterlot lite rom i livet for noe annet enn familien. "Det er den menneskelige opplevelsen som blir destillert til kunst som gjør den fantastisk, " sa hun i det muntlige historieintervjuet. “Det er veldig vanskelig å gjøre. Det er vanskelig å holde linjen, og det er vanskelig å være tro, sant på veldig mange måter. Tro mot deg selv, tro mot opplevelsen din slik at du ikke lyver om det, ikke fudge den. ... Det er ekstremt vanskelig, og du må ofre. … Du kan ikke ha alt. Det kan du ikke. På en måte kan du ikke ha mye av en personlighet eller noe fordi alt må ut i arbeidet ditt. Så ofte ser du bare kjedelig ut. ”
“Føler du det med deg selv?” Spurte intervjueren. "Å, ja, jeg synes jeg er veldig kjedelig, " svarte hun.
