En kvinne rusler nedover en bygate, iført en flytende turkis kjole og røde sko rett ut av Oz. Hun er lykkelig, bekymringsløs og bærer en lommelykt - som hun fortsetter å svinge med glede og med største letthet inn i vinduet på en parkert bil.
Denne videoinstallasjonen fra 1997, Ever Is Over All, av den sveitsiske artisten Pipilotti Rist, omslutter skjønnheten, ironien og overtredelsen i hjertet av “Damage Control: Art and Destruction since 1950, ” nå på visning i Hirshhorn-museet. Utstillingen sporer temaet ødeleggelse i samtidskunsten fra tidlig atomtid til i dag. Showet begynner, passende nok, med et smell: Harold Edgertons opptak av kjernefysiske detoneringer.
På begynnelsen av 1950-tallet filmet MIT-ingeniøren en serie atombombetester for den amerikanske regjeringen, og projiserte en uutslettelig visjon om menneskehetens ødeleggelse. Edgertons 12-minutters stillefilm skildrer brannkuler som svulmer inn i soler, soppskyer som klatrer mot himmelen, ørkensand som dirrer og slår seg tilbake på plass som tidevann. "De er et opptog du blir trukket mot, " sier Hirshhorn interimsdirektør Kerry Brougher, som co-curated "Damage Control" med UCLAs Russell Ferguson. "Det er showets doble natur - ødeleggelse som noe fryktelig, men også noe vakkert."
Brougher ser oppfinnelsen av atombomben - og det forestående utsiktene til global holocaust - som et vendepunkt i kunsthistorien, noe som tvinger kunstnere til å tenke annerledes om ødeleggelse. "I møte med atombomben, hva gjorde det å gjøre et maleri?" Sier han. ”Artister begynte å bruke ødeleggelse for å bekjempe ild med ild.” En slik kunstner var Raphael Ortiz, hvis piano destruksjonskonsert - eller hva som er igjen av det - ligger ved siden av Edgerton-filmen i inngangen til utstillingen. Ortiz ødela et flygel på åpningskvelden til "Damage Control" i oktober 2013, og knuste instrumentets nøkler og indre inn med en hammer i et ritualistisk stykke performancekunst.
Verket er en gjeninnførelse av Ortiz historiske pianodekonstruksjon ved Destruction in Art Symposium i 1966, som Brougher siterer som en viktig inspirasjon for "Damage Control." Initiert av Gustav Metzger, sammenkalte symposiet kunstnere fra hele verden for å kunngjøre en ny, militant belastning av destruktiv kunst som responderte på politiske og sosiale realiteter. Mens Ortiz vraket pianoet sitt, malte Metzger på nylon med saltsyre og skapte "autodestruktiv kunst", og Yoko Ono umuliggjorde sin egen kropp i Cut Piece, og inviterte publikum til å skive på henne med saks.
"Det var sjokkerende, " sier Brougher om symposiet. “Folk visste ikke hvordan de skulle ta det.” Men en ting var sikkert: den nye ødeleggelsen var her for å bli.
I økende grad påførte kunstnere ødeleggelse for seg selv og sine egne kunstverk. I 1970 brente John Baldessari alle sine tidligere malerier i en formell gjenoppfinnelse kalt Cremation Project . (Han bakte litt av asken i arbeidet sitt i småkaker.) I sitt stykket 2001, Break Down, satte Michael Landy opp en demonteringslinje for sine personlige eiendeler, og ansette et mannskap på 11 personer til å inventarere og ødelegge alt det siste han eide .
Turnerprisvinnende artist Steve McQueen - nå mest kjent for sine spillefilmer, Hunger, Shame, and 12 Years a Slave - oppgir seg i brannlinjen i Deadpan (1997), en restaging av Buster Keatons fallende husgag fra Steamboat Bill Jr. McQueen gjør mer enn å gjenskape stuntet; hans tilstedeværelse som svart mann forvandler arbeidet til en kommentar til rase-forhold og den usikre opplevelsen av den svarte opplevelsen. "Du må stå helt riktig slik at du ikke blir truffet, " observerer Brougher.
Noen kunstnere siktet seg til forgjengerne. I 1953 ba Robert Rauschenberg Willem de Kooning om å tegne en tegning av ham. De Kooning ydmyket den yngre artisten, og anerkjente i gesten en kunstnerisk endring av vakten, fra abstrakt ekspresjonisme til popkunst. Han gjorde det ikke lett for Rauschenberg, men ga ham en ekstremt kompleks tegning som tok flere uker å slette. Resultatet er en spøkelsesaktig palimpsest som fremkaller slutten av en epoke.
Jake og Dinos Chapman, Injury to Insult to Injury, 2004. © Jake og Dinos Chapman. Høflighet White Cube
I en lignende kreativ vandalisme forvirrer Britarts enfants Jake og Dinos Chapman et sett Goya 1810-1820 Disaster of War etchings - som skildrer redselene for Spanias uavhengighetskrig fra Frankrike - for å skape deres Insult to Injury (2003), erstatte hodene til ofrene med de groteske hodene til klovner og valper.
Men kanskje det mest (i) berømte eksemplet på desecration i "Damage Control" er Ai Weiwei's Droping a Han Dynasty Urn, en triptyk som skildrer den kinesiske artisten som gjør nettopp det. Når er ødeleggelse kreativ kontra nihilistisk? Brougher sier at det er en fin linje, men at det kommer til “ideene bak det mens du gjør det.” Ai brøt for eksempel urna for å kritisere samfunnsverdier - hvordan vi bestemmer hva et kunstverk er “verdt” og hva den dollarverdien betyr virkelig.
De siste stykkene i "Damage Control" berører dagens frykt for terrorisme snarere enn kald krigsparanoia. Big Bang, av den israelske artisten Ori Gersht, ser ut som et stilleben, men er faktisk en film, som røper sin eponymous overraskelse i sakte film, mens Nature morte aux granater, av den palestinskfødte kunstneren Mona Hatoum, deaktiverer en cache av granater ved å lage dem fra godterifarget glass - men ordner dem på en stålkvern som gjenoppretter deres dødelige potensiale. Brougher ser temaet ødeleggelse som et "kontinuum" i kunsthistorien, med verdens nærmeste trusler som utvikler seg fra hydrogenbomber til selvmordsbomber og naturkatastrofer. "Det var ikke noe godt øyeblikk å stoppe [utstillingen], " sier han. "Den harde delen begrenset antall artister i showet. Det er så mye ødeleggelse."
"Damage Control: Art and Destruction since 1950" er på visning gjennom 26. mai 2014 og skal reise til Mudam i Luxembourg 12. juli - 12. oktober 2014 og til Kunsthaus Graz, midten av november 2014 til midten av mars 2015 .
