Med tålmodige, bevisste bevegelser bruker linn meyers timer på å overføre hennes individuelle tegnet linjer til en av hennes pulserende tegninger eller installasjoner. Mens hun planlegger å ekspandere veikart for stykkene sine i forkant, lar hun seg også åpne for ujevnheter som uunngåelig vil komme opp under prosessen hennes, og lar disse nye bevegelsene lede hennes abstrakte utforskninger til nye steder.
Relatert innhold
- De fascinerende resultatene når et museum ber en kunstner tegne over sine murer
Som navnet på meyers ’nylige storstilt veggtegning, “ La oss gå tapt ”, vitner om, er installasjonen, som debuterte i høst på Bowdoin College Museum of Art, den veldig forsettlige omfavnelsen av å følge enda en uventet gaffel i veien.
Denne gangen reagerer hennes særegne linjer ikke bare på arkitekturen i rommet, men fikk også i oppgave å noe nytt: å etablere de fysiske parametrene som trekker frem de usynlige lydene som er innebygd i "Listening Glass." En komplementær installasjon som debuterte sammen med "La oss gå tapt", ble "Listening Glass" opprettet av Rebecca Bray, en kunstner og erfaringsdesigner (hvis tidligere poeng inkluderer sjef for designdesign ved Smithsonian National Museum of Natural History); Jimmy Bigbee Garver, en lyddesigner og komponist; og Josh Knowles, en apputvikler, i samarbeid med meyers.
Hvis det var mange ord å fordøye, er resultatet, en synestesi-lignende deltakende kunstopplevelse - etter design - lett å forstå. I hovedsak lar "Listening Glass" deg spille "Let's Lost Lost" som et instrument. Besøkende bevæpnet med mobiltelefoner laster ned en applikasjon opprettet av Knowles for å avdekke de hørbare musikknotene i meyers 'stykke. Ved å holde telefonene sine oppe i installasjonen, kan appen avdekke lyder når de utforsker meyers storstilt tegning, som spiller sammen med lyder som allerede trommer fra høyttalere som er satt opp i galleriet.
"La oss gå tapt" og "Listening Glass" (eventuelle Alice in Wonderland- konnotasjoner var utilsiktede) kom ut av en uplanlagt kommunikasjon mellom kunstneres tidligere verk. I mai 2016 avduket meyers sitt største verk til nå, "Our View From Here", en ambisiøs 400 fot lang tegning som snakket seg rundt den smultringformede andre etasjen i Smithsonians Hirshhorn Museum and Sculpture. Mens stykket var å se, idet Bray og Garver uavhengig av “Framing Device”, et interaktivt lydverk, som tar ledetråder fra et tidligere lyd og performativt kunstsamarbeid av kunstnerne kalt “Silosphere.” I “Silosphere, ” plasserte deltakerne hodet inne i jordlignende enheter utstyrt med en skjerm og høyttalere, for å skape en inneholdt opplevelse med den eneste tilkoblingen til omverdenen som kommer fra videomater som er sendt fra et eksternt videokamera. På grunnlag av det i “Framing Device”, et stykke som gjenoppdaterer kunstgalleriets lydguide, fikk deltakerne masker og trådløse hodetelefoner, som var tilpasset to forskjellige kanalalternativer - en (skuespiller-portrettert) lydtur til museet og en interiørmonolog av en selvbevisst besøkende - for å be deltakerne om å se landskapet i et kunstgalleri på nytt.
"Det kan føles ganske begrensende, slik vi forventes å - eller vi forventer oss selv - oppleve kunst i en typisk institusjonell eller kuratert setting, " sier Bray. I samarbeidene deres er hun og Garver interessert i å lage deltakende kunst som "ber noe om betrakteren og inviterer [dem] til, på en måte som endrer forholdet."
“Framing Device” kom sammen for “Sound Scene”, en årlig festival for å feire lytting, som nettopp så ble arrangert av Hirshhorn for første gang i 2016, da “Our View From Here” var utstilt. På grunn av dette ble meyers arbeid en del av “Framing Device” sin lydturne, noe meyers selv ikke var klar over før hun tilfeldigvis kom til arrangementet og hørte på stykket selv.
"Hun kom til oss etterpå og sa, wow, dette er så interessant. Jeg har aldri sett mitt eget verk på denne måten, ”husker Bray.
Artistene begynte å ta kaffe sammen for å snakke om ideene de utforsket og hvordan de kan jobbe sammen. meyers jobber uten maler eller tape for å tegne de tusenvis av flytende linjer som kommer sammen for å lage hennes endelige brikker. Hennes umiskjennelige prosess tvinger deg til å se på kunsten og tenke på hvorfor den tar formene den gjør. Men hun var interessert i hvordan Bray og Garver kunne være i stand til å få noen til å bremse og engasjere seg enda dypere i linjene hennes. “La oss gå tapt” og “Å lytte glass” var det som resulterte av den utfordringen.
Se dette innlegget på InstagramStudenter og besøkende som utforsket “La oss gå tapt” og “Lytteglass” på åpningen i går kveld. Denne fantastiske utstillingen vil være oppe hele året! ☺️ # bcmaletsgetlost #bcmalisteningglass
Et innlegg som ble delt av Bowdoin College Museum of Art (@bowdoinmuseum) 28. september 2018 kl 17:30 PDT
"Det prosjektet ble, var en evolusjon som parallelliserte samtalene våre, " forklarer meyers. I noen av de tidligste samtalene lekte kunstnerne med å prøve virtuell virkelighet og utvidet virkeligheten, men de beveget seg bort fra den ideen av bekymring for at teknologien kan overvelde kunsten. De ønsket å skape en interaktiv kunstopplevelse der teknologien serverte kunsten, ikke omvendt. De hentet inn Knowles, som Bray har kjent i mange år i det interaktive teknologi- og kunstområdet, for å hjelpe til med å oversette arbeidsidéen deres, og flettet sammen meyers kunst med Garvers lyder.
Det var ikke umiddelbart tydelig hvordan man skulle gjøre det. "Skal jeg lage musikk som høres ut som tegningene dine eller tegne noe som høres ut som musikken din?" Sier Garver. "Vi har begge endret oss mye."
Hver av de fire av dem hadde liten overlapping blant sine ferdighetssett, noe som tvang dem til å virkelig være bevisste med hvert trinn i forestillingsprosessen. "Fordi hver av våre stykker av denne tingen var dypt forbundet med alle andres brikker, var det ikke noen som gikk inn i et rom og gjorde sitt stykke og presenterte det tilbake for alle, " sier Bray. I stedet måtte de kontinuerlig snakke gjennom sine forskjellige medier og drille ut kompromissene og mulighetene for hver kreative beslutning.
"Det er veldig vanskelig å snakke om, og vi måtte nesten komme med vårt eget språk, som var interessant i seg selv, " sier meyers. Det som hjalp, sier hun, var at de alle visste at de kom på arbeidet med et delt sett med verdier og en delt visjon. På et tidspunkt skrev Bray dem til og med. Ideene de jobbet mot, sier meyers, var å "lage et stykke som engasjerte publikum på en måte som publikum ville fullføre arbeidet."
Det var mye å forhandle om: det var arkitekturen i rommet, meyers kunst, Garvers lyder (begge laget på telefon, og lyder de bestemte seg for at de ville spille kontinuerlig i rommet), teknologien, hvordan de skulle komme frem gjennom bevegelse, og selvfølgelig publikum. "Vi laget en haug med dokumenter, diagrammer og regneark for å hjelpe hverandre å forstå, " sier Garver.
Publikumopplevelsen var det de sirklet tilbake til mest i samtalene. En av de største forhandlingene innen interaktivt kunstrom, sier Bray, er å skape noe som har få inngangsbarrierer - “raus” er et begrep hun bruker mye - men også er i stand til å forandre måten noe blir sett på.
“Hvordan bringer vi mennesker nærmere kunsten? Ikke bare fysisk, men for å bremse og vurdere linjene selv; kunstverkene så vel som helheten? ”sier hun om utfordringen de sto overfor.
De ønsket å gjøre plassen til en samtale mellom artist og seer. I en tilflukt over sommeren tegnet meyers fire forberedende tegninger på veggene i Bray og Garvers stue. De inviterte deretter folk til å spille med appen og samhandle med veggtegningene.
Det førte til mer tipping. For eksempel hadde programvaren problemer med å skille den kjøttfulle fargen som meyers bruker for å fylle hennes "skygger av et tomrom" med rommets tregulv og vindusdekken. For å sikre at lyden forble spesielt til elementet den ble pekt på, la meyers en blå strek til hver kvadrant slik at enheten bedre kunne skille kunsten fra omgivelsene.
Lydene i seg selv, som kan skaffes gjennom bevegelse og beliggenhet, inkluderer en pianolignende lyd, en plukket lyd, en stemme og en klokke. "De er veldig slags vanilje, " sier Garver. "Skjønnheten er det interessante som skjer når folk henter den og bruker den."
Garver fortsatte å strippe komposisjonene med hver iterasjon av prosjektet. Det han innså var at jo mer kompleks og komponerte lyden, jo vanskeligere var det å forstå hvis handlinger genererte den. ”Jeg prøvde bare å forenkle bevegelsen av instrumentet og ikke lage musikk. Det var nytt for ham. "Jeg har aldri gjort noe sånt før, " sier han, "selv til i dag, " sier han, undrer han seg over arbeidet, "Høres dette ut som disse linjene?"
Reisen gjennom galleriet kan føles som å svømme gjennom havet. "Det er en overveldende opplevelse, for det er en enorm vask med lavere tonelyder du er foran og rundt, men når du beveger deg gjennom rommet lager du små lyder, " sier Garver. Slik beskriver Bray og Garvers 7 år gamle sønn den oppslukende opplevelsen: "som en fisk som flyter gjennom bølgene."
Knowles 'app, som er tilgjengelig for nedlasting på iTunes (og også kan spilles utenfor galleriet), kiler ikke til lydene som den for øyeblikket er programmert til å spille. Programvaren kan tilpasses, og artistene har allerede snakket med Bowdoin om muligheten for å få studenter til å komponere nye lyder for installasjonen og koreografere en forestilling i galleriet. Tanken er at utøvere med telefoner strategisk plassert på kroppene deres kunne spille en musikalsk komposisjon i rommet med bevegelsene sine.
Da installasjonene første gang debuterte i september, så Bray på at folk brukte telefonene sine ikke for teksting, men snarere som en tryllestav som ledet dem gjennom historien om galleriet. "Vi så virkelig mennesker ta seg god tid, og følge en linje eller følge den kurven som linn tegnet, " sier hun.
Dette er ikke meyers 'første samarbeidssatsing. "Jeg elsker å jobbe på egen hånd, " sier hun, med henvisning til studiostudiene sine. "Jeg elsker den ensomme aktiviteten i den, og jeg ville aldri ønsket å gi opp denne delen." Men gjennom hele karrieren har hun blitt dratt etter å bygge ideer med andre artister. "Det tar deg inn i territorium som er mindre behagelig og mindre kjent, " sier hun. "Du kan gjøre det på egen hånd, men det er vanskeligere."
Hennes neste samarbeidssatsing jobber med andre Washington, DC-baserte kunstnere Tim Doud og Caitlin Teal Price for å åpne en rimelig studioplass kalt STABLE. De 10.000 kvadratmeter store studiolokalene i den østlige kanten av Eckington har til hensikt å åpne i februar i 2019, og sikter mot å bedre koble kunstnere og skape et samfunn blant dem i distriktet. Ideen, sier meyers, er å gjøre DC "mer vennlig mot kunstnere og et sted hvor kunstnere ønsker å bo."
Passende nok, mens “Listening Glass” kan spilles solo, er det noe rikere som skjer når de i galleriet kommer sammen for å lage komposisjoner. Hvis alle besøkende på et gitt tidspunkt gjør den samme bevegelsen samtidig med telefonene sine, kan de låse opp en spesiell lydeffekt.
"Let's Lost Lost" og "Listening Glass" er samlet på visning på Bowdoin College Museum of Art til og med 29. september 2019.
