Nicholas Bell, ansvarlig kurator ved Renwick Gallery of Smithsonian American Art Museum, har vært på museet siden 2009. Han har kuratert utstillinger på kurver og på tre - håndverk som det tradisjonelt er unnfanget - så vel som på moderne håndverk (museets utstilling fra 2012, “40 under 40: Craft Futures”). Han understreker viktigheten av materialer og ideen om å "lage". Hans lidenskap for museet, renovering og gjenåpning den 13. november og den innviende "Wonder" -utstillingen var tydelig da vi snakket med ham .
Fra denne historien
Lure på
KjøpeFor det første, kan du fortelle oss hvorfor du velger det stemningsfulle ordet “undring” som tittelen på Renwick Gallerys åpningsutstilling? I katalogen snakker du om hvordan ideen om undring er " nå så raskt fulgt av å vite."
Mange av oss tenker på “undring” som litt barnslig. Noe som er synd. Det er mye verdi i å komme i kontakt med ting du ikke forstår - ting som er ekstraordinært, som er utenfor hverdagen vår.
I New York Times skrev nylig kunstkritiker Holland Cotter om museer som "kraftige historieredigeringsmaskiner"? Gjelder det Renwick?
Vi åpner denne bygningen som et kunstmuseum for tredje gang på tre forskjellige århundrer. Som kultur og som samfunn tar vi valg — vi kan komme foran andre prioriteringer. Selv om bygningen ble bestilt som et kunstmuseum, ble det presset i bruk som et militært forsyningssenter før det noen gang ble brukt som museum. Dette tjener til å minne oss om at vi tar valg som folk. Noen ganger velger vi mot kunsten, og andre ganger velger vi for dem. Ordene over Renwicks dør, meislet i stein, er "dedikert til kunst."
På en måte handler "Wonder" showet om bygningen som et viktig rom for å komme og oppleve noe. Det som virker viktigst å oppleve er undring. Vi trenger offentlige steder hvor vi kan åpne oss for å undre oss.
Du skriver at målet ditt var å skape en "oppslukende sal av underverker." "Oppslukende" er et nøkkelbegrep akkurat nå - i filmer øker 3D i popularitet, og i teater er det ikke nok for et publikum å bare sitte og observere handling på en scene. Og "underhallen" snakker om sideshowet eller karnevalet, steder som gir et klart bud for vår oppmerksomhet.
Det er ironisk — så mye av oppmerksomheten vår er fokusert på et så lite rom i livene våre. Vi er en skjermbundet kultur. Jeg har tre barn under fem år. De har gjort meg hyper oppmerksom på hvor viktig det er å ta hensyn til dine nærmeste omgivelser. Små barn har øynene åpne. Ingen filtre. De vil vite om alt. De har lært meg hvordan jeg skal være oppmerksom. Museet kan gjøre dette for oss som et barn kan.
En av grunnene til at jeg sanket inn på de ni kunstnerne i denne utstillingen er at de lager ting som er veldig store. Deres arbeid gjør deg intenst selvbevisst. Hvis vi går til et museum og ser små ting, på sokler - leire og glass, mange fartøyer - er det herlig, men det gjør deg ikke nødvendigvis like bevisst på omgivelsene dine. Men hvis du går inn i et galleri og ser et tårn med indekskort som er 13 meter høyt, som du gjør med Tara Donovans arbeid, krymper du nesten i forhold. Du tenker ganske visceralt på hvor du er.
Så viktig og så kritisk som innsats som digitalisering, er det bare ingen reell erstatning for å oppleve kunstverket personlig. Jeg liker virkelig å se besøkende gå inn i hvert påfølgende galleri. De rister bokstavelig talt tilbake på hælene - øynene utvides, kjevene synker. Det er et fysiologisk element for å møte disse kunstverkene.
Dette er grunnen til at vi må ha offentlige rom å gå til. Dette er grunnen til at denne bygningen må være her.
Kommenterer artistene du valgte på noen måte Renwicks faste samling?
De gjør. Det er ikke nødvendigvis åpenlyst. En av grunnene til at jeg valgte disse spesifikke ni, er at de er ekstremt lidenskapelige for å lage ting. De har en økt følelse av å lage ting. Materiale er så mye større enn deg. Det veltes over deg. Disse verkene får deg til å begynne å tenke på materialer i livet ditt og i din verden. De bekrefter betydningen av tingene - det er verdi i å vurdere hvordan gjenstander blir til i vår verden.
Hvordan vil du definere samtidskunst og samtidskunst? På hvilke måter er de forskjellige, og på hvilke måter er de like?
Jeg interesserer meg ikke for divisjonen, jeg er mistenksom overfor fokus på divisjonen. Jeg lener meg alltid mot å uskarpe linjene i stedet for å skille dem. Det som virkelig betyr noe er menneskene som lager ting, som er interessert i å uttrykke seg. Jeg er ikke nødvendigvis interessert i hva folk kaller seg. Jeg tror ikke at disse merkelappene har veldig mye verdi.
DIY-bevegelsen har grepet mye fantasi den siste tiden. Det ser ut til å være en ny respekt for å gjøre ting med dine to hender - pickling, hermetisering, gjæring. Og utenfor kjøkkenet, i teknologiverdenen, er "produsentbevegelsen" og "produsentrommene" veldig au courant akkurat nå. "Wonder" -katalogen diskuterer viktigheten av materialer i håndverket. Kunne du snakke litt om det?
Interessen for dyktighet, prosess og arbeidskraft vil fortsette inn i vår fremtid som museum. Det er mye verdi i å se på hele verden gjennom linsen til håndverket. Alle kunstnerne i åpningsutstillingen er i hovedsak moderne kunstnere som brenner veldig for å lage og lage materialer. Som knytter dem til håndverkshistorien.
Er det spesielle interesser i miljøet og den naturlige verdenen blant artistene i dette showet?
Ja! Hvordan denne utstillingen ble til, var: Jeg inviterte alle disse kunstnerne til å komme på turné i bygningen når den var tom. Vi hadde flyttet ut, det var utslitt, renoveringen hadde ikke startet ennå. Jeg hadde aldri sett det på den måten, og det var en virkelig luksus å se det på den måten. Kunstnerne foreslo hva de ville gjøre. Jeg ba dem se på arkitekturen og tenke på undringstemaet. Jeg ga dem ingen andre kriterier. Jeg valgte disse artistene fordi de alle er følsomme for rom, og deres arbeid gjør deg oppmerksom på din egen tilstedeværelse.
Det som er fascinerende for meg, er at ganske mange av dem gikk til naturen som et poeng, helt uten noe press fra meg: Maya Lin, arbeider med ideen om Chesapeake. John Grade, trær. Patrick Daugherty, holder seg. Jennifer Angus, feil. Det er veldig mye sensibiliteten til omverdenen når du går gjennom disse galleriene. Det forsterker ideen om at museer er et sted som kan hjelpe deg å tenke på omverdenen. Når folk kommer til museet og til dette showet, blir de bowlet over og overrasket. Hva dette gjør er å hjelpe deg å se med friske øyne, og tenke på verden rundt deg på en annen måte.
Jeg legger merke til at en av hendelsene som markerer gjenåpningen av museet inneholder håndverksøl! Er det bare et skuespill på ord - lag øl i et museum viet til håndverk?
Hele håndverksbryggingsfenomenet er faktisk et av de mest synlige eksemplene på dyktig produksjon. Hver gang du kjøper en sekspakke øl fra et lite bryggeri, støtter du mennesker som brenner for å lage ting.
Renwick Gallery, hjem til Smithsonian American Art Museums kunst- og dekorative kunstsamlinger, åpner igjen fredag 13. november etter en to år gammel renovering på 30 millioner dollar. Den første utstillingen “Wonder” har installasjoner i galleri av ni samtidskunstnere.
