Lytt nøye etter en fjern rumle: For 100 år siden, 29. mai 1913, eksploderte sjokket av det nye i et teater i Paris da Diaghilevs Ballets Russes fremførte Stravinskys Rite of Spring. Det bedekkede og smykkede publikummet på Theater des Champs-Elysees brøt ut på folkedans og diskordant musikk som konfronterte dem. I stedet for nåden og tradisjonen til slike balletter som Tchaikovskys Svanesjø, lanserte vårens usammenhengende koreografi og russiske hedenske omgivelser et kor av boos som ble til slagsmål: Hva var det som den foten stampet om? Hvor var tradisjonens tutus? Til publikums overraskelse og forferdelse hadde “modernismen” nettopp kommet med et gigantisk cymbalkrasj.
Serge Diaghilev og Igor Stravinsky hadde til hensikt å bruke denne forestillingen som en forkynnelse av modernismen - et opptog som tar sikte på å sprekke gjennom tradisjonelle grenser innen kunst, musikk og dans for å presentere noe helt nytt og nyskapende. Ideen om dance-as-spectacle er noe som har fascinert meg, da jeg har organisert en Portrait Gallery-utstilling om dans i Amerika, som åpner 4. oktober. Uten å gi opptøyer har spektakel spilt en avgjørende rolle i dans fra Ziegfelds Follies til Beyoncces sceneshow; publikum er alltid klinket av fjær, paljetter og vakker bevegelse. Som komponist-lyrikere skrev Kander og Ebb i Chicagos temasang "Razzle Dazzle" , "Gi dem en handling med mye flash i seg / Og reaksjonen vil være lidenskapelig."
Igor Stravinsky av Alvin Langdon Coburn. Gelatinsølvtrykk, 1921 (Foto med tillatelse av National Portrait Gallery) Jeg liker å bli blendet. Og som en inveterert kulturutforsker, er jeg alltid på jakt etter "wow" -faktoren - den magiske tingen som får øynene dine til å poppe. I scenekunsten kan det være et show-stoppende øyeblikk på scenen eller skjermen, en dansers praktfulle sprang inn i ozonet, eller en spennende stemme som lar deg pusten ut. Dette er krystallinske øyeblikk som merke din psyke for alltid.
I det siste har jeg blitt wowed av et par ekstraordinære forestillinger - en konsert av Philadelphia Orchestra under deres elektrifiserende nye dirigent, Yannick Nézet-Séguin, og en Kennedy Center Gala-forestilling av My Fair Lady der Jonathan Pryce og Laura Michelle Kelly gjorde deg tror de skapte rollene som professor Higgins og Eliza for første gang.
Men jeg har også blitt blendet av en megautstilling som nettopp har åpnet i National Gallery of Art: “Diaghilev and the Ballets Russes, 1909-1929: When Art Danced with Music.” Baz Luhrmann kan ha brukt mye glamour og glitz i sin nye 3D-versjon av The Great Gatsby, men Galleriet har skapt Diaghilevs glitrende verden i en overdådig visning av den virkelige tingen - kunsten, musikken, dansen og kostymet som uttrykte "søket etter det nye" for et århundre siden . Som utstillingen med-kurator Sarah Kennel forklarer, ønsket Diaghilev aldri å hvile på laurbærene. Han var alltid med å innovere og redesigne. ”
Michel Fokine av Clara Sipprell. Gelatinsølvtrykk, 1923, testamentering av Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) Et samarbeid mellom National Gallery of Art og Victoria and Albert Museum, utstillingen åpnet først i London i 2010. Galleriets utstilling er en hybrid av det showet, og inneholder 80 verk fra V&A-samlingen og tilfører rundt 50 nye objekter. "Diaghilev" viser de forbløffende kunstneriske partnerskap som er skapt av den russiske impresarioen, og belyser komponister som Stravinsky, Prokofiev og Satie, og artister som Bakst, Picasso og Matisse. To store Diaghilev-koreografer - Michel Fokine, som jobbet med ham de første årene, og George Balanchine, som jobbet med Ballets Russes på slutten av livet av Diaghilev - ville immigrere til USA; Fokine etablerte en ballettskole i New York, og Balanchine ville ha en ikonisk innvirkning på amerikansk dans, både på Broadway og i ballett.
Pablo Picasso kostyme til den kinesiske Conjuror fra Parade, ca. 1917 (© Victoria and Albert Museum, London) Organisert kronologisk forteller de fem store utstillingsdelene historien om Diaghilevs karriere: "De første årstidene", "Vaslav Nijinsky - danser og koreograf, " "Den russiske avant-garde", "den internasjonale avantgarde" og "modernisme, Nyklassisisme og surrealisme. ”Det er også en fascinerende audiovisuell komponent som inkluderer sjeldne opptak av Ballets Russes og Nijinsky, Rudolf Nureyev som opptrer i Ettermiddag av en Faun, og Mikhail Baryshnikov danser The Prodigal Son.
For tretti år siden ville denne fabelaktige utstillingen blitt kalt en "blockbuster." I samtidens museumsholdning er dette ordet utenfor fordel: blockbusters falt på tvers av kritisk harrumfing på et tidspunkt, og dagens museumsverden favoriserer ofte en reduksjonistisk tillit til grå vegger og grå tepper i stedet for mer flamboyante tilnærminger. Som noen som begynte i blockbuster-tiden, synes jeg mangelen på blending i dag er en urovekkende kommentar til hvor langt museer har distansert seg fra et offentlig hunger etter inspirasjon.
Henri Matisse Costume for a Mourner fra The Song of the Nightingale, ullfilt og fløyel i 1920 (V&A, London) Men Diaghilev-utstillingen fikk meg til å smile i det øyeblikket jeg gikk inn i omfavnelsen: fra den perlede krisen i Boris Godunov som Chaliapin hadde på seg i 1908 til den gigantiske sceneteppet fra The Blue Train (1924) , er Diaghilev-showet en påminnelse om hva utstillinger kan være.
Mark Leithauser er designsjef og seniorkurator ved National Gallery of Art, og her har han skapt en enorm verden av wow. Han var ansvarlig for å designe mange av museets landemerkeforestillinger, og snakket med meg om hvordan forestillingen om “blockbuster” egentlig ikke handler om størrelse: det handler om et fenomen. Den første storfilmen, "King Tut, " hadde bare 52 objekter. Da det åpnet på Galleriet i 1976, sto folk i kø i timevis. Regissør J. Carter Brown sa at showet var populært på grunn av “ren visuell kvalitet” og “betagende alder” på gjenstandene, sammen med den betagende følelsen av å være på skattejakt. På den annen side hadde "Treasure Houses of Britain" i 1985 over tusen gjenstander og bidro til å koble "bigness" til den populære ideen om blockbuster.
Leithauser mener bestemt at en utstilling bør være forankret i historiefortelling. I "Skattehus" handlet historien om 500 år med samling i Storbritannia, men det var også omtrent 500 år med arkitektonisk transformasjon i det britiske landstedet - en transformasjon fremkalt i de arkitektoniske scenene og omgivelsene som ble skapt i utstillingen.
Serge Diaghilev (© Victoria og Albert Museum, London) For Diaghilev-showet sa Leithauser at designen måtte være like teatralsk som historien - installasjonen måtte skape en teateropplevelse som omfattet Diaghilevs verden. Sannheten er, ifølge Leithauser, at utstillinger "trenger å være det de er."
Designerens evne til å sette scenen så strålende gjør at besøkende kan forstå Diaghilevs kunstneriske samarbeid både intellektuelt og visceralt. Leithauser er en showman som setter pris på opptog: Tommelen opp for blendende blending!
