Jules Feiffer har skapt og underholdt amerikanere med sin skarpe vidd i over 50 år ved hjelp av tegneserier, illustrasjoner, skuespill og bøker - inkludert hans memoarer fra 2010, Backing Into Forward . Nylig snakket han på Reynolds Center for American Art and Portraiture om fotograf Bob Landrys skitne portrett av danseren Fred Astaire. Feiffer ble intervjuet av magasinets Jesse Rhodes.
Relatert innhold
- Kirk Savage på National Mall
I memoarene dine refererer du til Astaire som din guru. Hvordan ble den kjærligheten og ærbødigheten til ham?
Jeg var barn av den store depresjonen, og den eneste muntre som kom gjennom for mange av oss i disse tider, var i form av populær underholdning. Folk levde fra hånd til munn og i nærmeste fattigdomssituasjoner, og mens vi ikke led eller sultet. eller noe sånt, det var ikke en lykkelig tid. Og lykkelige tider var oppe på skjermen, eller lykkelige tider var på radio eller lykkelige tider var, i mitt tilfelle tegneserier og senere i tegneserier. En av de mest lykkelige tider var disse anledningene, da foreldrene mine tok oss med oss tre til den lokale kinoen for å se Fred og Ginger. Det var en minneverdig anledning fordi lettheten og uanstrengelsen - eller tilsynelatende uanstrengelsen - ved Astaires dans formidlet en form for høyt humør og optimisme og muntre som formidlet seg selv som håp - i det minste til en betydelig del av befolkningen, eller i det minste til meg.
Vil du si at Fred Astaire er en personlig helt av deg?
Det var mange personlige helter, de fleste av dem tegneserieskapere.
Hvilke tegneserieskaper?
Som barn var det EC Segar som skrev og tegnet Popeye . Milton Caniff som skrev og tegnet Terry and the Pirates . Al Capp som gjorde Lil Abner og senere Walt Kelly som gjorde Pogo, Crockett Johnson som gjorde Barnaby . Dette var strålende, strålende menn som gjorde noe bemerkelsesverdig arbeid på den tiden.
Hva er heroisk med Fred Astaire?
Jeg tror heroisk er feil ord. Inspirerende er et mye bedre ord. Han var inspirerende. Takk og lov, han var ikke heltemodig fordi heroiske mennesker vanligvis havner i trøbbel - de sender deg ut i krig og sånt. Det var måneder og måneder med hardt arbeid som gikk ut på å lage en film med bare ett formål i tankene, og det var å gjøre noe vanskelig og få det til å se enkelt ut.
Danseren som figur er et bilde som dukker opp i arbeidet ditt gang på gang. Hvorfor appellerer det bildet til deg?
Det er vanskelig å forklare. Det er et komplisert spørsmål, og jeg er ikke sikker på hvordan jeg skal svare på det ganske enkelt, men fra jeg begynte på Village Voice- tegneserien på 50-tallet tok moderne dans fart og jeg besøkte med jevne mellomrom den verdenen og tok inn dans og hadde venner som var dansere. Jeg så danseren som et ideelt tema for den typen kommentarer jeg ønsket å komme med og legemliggjøre i henne all den tvetydige tvetydigheten, tvilen, selvtvilen, selvbebreidelsen og alle de andre følelsene - nevrotiske og ikke nevrotiske, politiske og ikke -politisk. Og også fordi hun beveget seg hele tiden, hun sprang og arabesk og gjorde dette og gjorde det og i motsetning til de fleste av figurene mine som bare sto og snakket. Så det var mye morsommere å tegne henne enn det var de andre figurene mine.
Ser du kunsten til dans og kunsten å illustrere som relatert?
Jeg har aldri tenkt på det. Jeg tror alt henger sammen, men jeg har aldri tenkt så mye på det.
Har din reise gjennom livet vært noe som Milos i The Phantom Tollbooth ?
Alt jeg gjorde var å illustrere boka. Jeg hadde ingenting med skrivingen av det å gjøre.
50 år etter å ha gjort The Phantom Tollbooth, har Norton Juster og jeg samarbeidet for bare andre gang i karrieren vår og den bildeboka utgitt av Scholastic og kommer ut i høst.
Du har vært medie tilstedeværelse i over 50 år. Har din mening om arbeidet ditt noen gang endret seg?
For det første har arbeidet alltid vært morsomt. Jeg har alltid hatt glede av å gjøre det. Den eneste gangen jeg ikke har elsket det, var da det sluttet å være en utfordring, og da ville kvaliteten avta. Men når jeg kan finne ut hvordan jeg kan utfordre meg selv, var moroa tilbake og arbeidet ble bedre, og det som imponerte meg mest med meg selv, er hvor mye bedre jeg lærte å tegne gjennom 50 år.
I memoarene dine åpner du med en linje: "Suksess er ikke noe å nyse av, men også svikt gir store muligheter." Ideen om å mislykkes er et annet tema i arbeidet ditt. Hva er verdien av mislykkede opplevelser?
Spesielt som amerikaner, når vi læres - som andre kulturer ikke lærer - at fiasko er en dårlig ting. Det er sett ned på. Ikke vær taper. Vi har alle slags negative forestillinger om fiasko, og den skjulte meldingen risikerer ikke noe. Ikke ta sjanser. Vær en god gutt. Hold deg innenfor grensene. Hold deg innenfor de rette grensene, og på den måten får du ikke problemer, og du vil ikke mislykkes. Men selvfølgelig i kunsten og praktisk talt alt annet som fører et tilfredsstillende liv, er fiasko implisitt. Du prøver ting, du faller på ansiktet ditt, du finner ut hva som gikk galt, du går tilbake og prøver dem. Og det jeg håpet å gjøre for leserne av boken min - spesielt unge lesere - var å fortelle dem at mange av de gode rådene de bare burde ignoreres.
Du har laget tegneserier, barnebøker, skuespill og filmer. Hva er ditt neste kreative prosjekt?
Annet enn å ha noen få barnebøker å illustrere og en som jeg nettopp har skrevet og vil også illustrere, jobber jeg med en bok om humor under den store depresjonen og hvordan humor fikk oss gjennom disse tider på en måte som er fraværende i disse tider.
Jules Feifers "moderne danser." (Med tillatelse av Arthur Renwick og Leo Kamen Gallery / NMAI, SI) 
Feiffer fortalte nylig på Reynolds Center for American Art and Portraiture om fotograf Bob Landrys portrett av danseren Fred Astaire. (Suzanne Dechillo / New York Times / Redux)
