Fra renessansens storhetstid, gjennom den impresjonistiske perioden og inn på begynnelsen av 1900-tallet, var kunsten like mye en konkurransedyktig innsats som en kreativ.
I Italia på 1400-tallet vant Lorenzo Ghiberti i en overraskende opprør mot den favoriserte arkitekten og kunstneren Filippo Brunelleschi en av de mest innflytelsesrike kunstkonkurransene i sin tid: kommisjonen om å designe et sett bronsedører til det florentinske baptistiet. Ghibertis dører, "Gates of Paradise", som de ble kjent, ville tjene som en av de viktigste innflytelsene for senere artister som Donatello og Michelangelo.
Under den strenge veiledning av École Nationale Supérieure des Beaux-arts i Paris, kunstnere som Renoir, Degas, David og Monet finslipte håndverkene sine kun gjennom ferdighetsprøver. Studentene konkurrerte om Grand Prix de Rome, et stipend som ville sikre en plass i det franske akademiet i Roma, og produserte mesterverk etter mesterverk underveis.
Et nylig innlegg om designkonkurranser på Aesthetic Grounds førte dette utilsiktet. Mens konkurranse om arkitektur og design trives (jeg vil være sjenerøs), har antallet konkurranser for visuell kunst sunket betydelig. Den eneste jeg kunne innkalle til tankene var den som nylig ble sponset av Smithsonian's National Portrait Gallery (ingen plugg ment).
Det var en tid da kunstnere brydde seg nok om arbeidet sitt for å offentlig sprenge tingene sine, og samfunnet brydde seg nok om kunst til å gi dem et forum for å gjøre det. I dag er kunstens kampånde på sidelinjen - til skade for både kunstnere og deres utspill. For hvis gjensidig respekt og kjærlighet til håndverk ikke har vært i stand til å bringe den sprø kunstverdenen sammen, kan en liten vennlig konkurranse gjøre utslaget.
