Ellsworth Kelly, ansett som en av de store amerikanske kunstnerne på 1900-tallet for sitt banebrytende arbeid innen minimalistisk maleri og skulptur, døde søndag i hjemmet hans i Spencertown, New York, i en alder av 92. Anerkjent for sin livlige bruk av geometriske blokker og intense farger, bygde Kelly over syv tiårer et rykte for fargerik abstraksjon og arbeider som utforsket essensen i fagene deres.
Hans tidligste kunstverk ble skapt i tjeneste til USA, som en del av en spesiell kamuflasjenhet i Frankrike under andre verdenskrig. Kelly og hans andre kunstnersoldater fikk i oppgave å lure tyskerne - ved å bruke gummi og tre for å konstruere falske stridsvogner og lastebiler - til å tro at de mange allierte troppene på slagmarken var mye større enn virkeligheten. Selv om dette virker en ukonvensjonell tidlig trening for en kunstner, viste det seg å være passende for Kelly.
"Han var i stand til å forstå at det var disse realitetene som for de fleste av oss er kamuflert, " sier Virginia Mecklenburg, sjefkurator ved Smithsonian American Art Museum. ”Han ville fremkalle disse realitetene - en tydelig følelse av tyngdekraften, eller fysikken i vekt og fart som vi sjelden tenker på konkrete. Han var i stand til å få det over. ”
Etter sin tjeneste meldte Kelly seg inn på School of the Museum of Fine Arts, Boston og returnerte til Paris i 1948, og absorberte en rekke påvirkninger, inkludert Picasso og Matisse, asiatisk kunst og romanske kirker. Han kom tilbake til USA og presenterte sitt første soloshow i 1956. Tre år etter dette ble Kellys arbeid inkludert i Museum of Modern Art (MoMA) 16 amerikaners utstilling. Hans geometriske abstrakte verk, sammen med andre amerikanske malere, inkludert Ad Reinhardt og Brice Marden, ble i 1959 kalt "hard edge-maleri" av kunsthistoriker Jules Langsner.
Gjennom 1960-tallet skar han ut sin egen nisje atskilt fra kunstverdenene i New York City og Paris. Mecklenburg sier at det hun synes er bemerkelsesverdig om hans arbeid, var måten han satte ned arkitekturen, bildene og andre visuelle bilder han så i verden og i kunsten, og gjorde dem til direkte, viscerale abstraksjoner. Ved å bruke grunnleggende farger - blå, grønn, hvit, svart - og enkle lerreter (senere flyttet inn i flere lerreter og skulpturer) skapte han utsagn som var “mindre beskrivende enn stemningsfullt”, som hun uttrykker det.
"De tar tid å se på, men når du går tilbake, innser du at du ser på noe du har sett om og om igjen, " sier Mecklenburg og gir eksemplet på maleriet "Blue on White" fra 1961 på utstillingen i det amerikanske Kunstmuseet, som hun sier fremkaller et blad som springer ut. "Plutselig begynner du å forstå at hvis du skiller narrative ideer, hvor sterk den visuelle impulsen er i hvert menneske."
Ellsworth Kelly, "Blue on White", 1969 (Smithsonian American Art Museum) Han viste på Venezia-biennalen i 1966 (og skulle vises på tre flere i påfølgende år), hadde sitt første amerikanske tilbakeblikk på MoMA i 1973, og sitt første store europeiske tilbakeblikk på Stedelijk Museum i Amsterdam seks år etter det.
"Ellsworth Kelly gjorde overgangen fra geometrisk abstraksjon etterkrigstidene til den minimalistiske bevegelsen som begynte på begynnelsen av 1970-tallet, " sier Valerie Fletcher, seniorkurator ved Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, som besitter 22 av Kellys verk, inkludert "White Relief over Dark Blue ”Fra 2002, på utsikten i museets tredje etasje, og en uten tittel skulptur fra 1986 vist i hagen. "Hvis du ser på maleriene hans sammenlignet med andre i hans generasjon, er de langt enklere."
Noen av disse verkene har en “totemisk” kvalitet, slik Mecklenburg beskriver det, og peker på “Memorial”, hans veggskulptur av fire hvite paneler ved USAs Holocaust Memorial Museum. “Hvordan snakker du om noe av den størrelsesordenen?” Spør hun. "Det er enten en million ord eller ingen ord, og han valgte ingen ord."
Hans enkle, geometriske tilnærming hadde innvirkning på den neste generasjonen av minimalister - Frank Stella, Donald Judd og andre - med verk som utforsket essensen av ideer eller følelser på håndgripelige og taktile måter.
"Han hadde stor innvirkning på kunstverdenen, men verket snakker på en visceral måte til den som ser på den, " legger Mecklenburg til. ”Jeg må si at det er en følelse av glede og en følelse av energi i så mye av arbeidet hans. Du kommer tilbake til sentrum når du ser på det. ”
