Glem spektakulære bladfarger og kjøligere temperaturer: det er begynnelsen av “Fashion Week” i september som kunngjør høstsesongen. Som nye sesonger innen musikk, teater, dans og kunst, signaliserer Fashion Week en ny start. Hva er nytt og fantastisk? Hvordan skal vi finne opp oss selv denne gangen? Vilt og undervurdert? Prangende men elegant? Undecided?
I tillegg til å være en favorittidrett for kleshunder, er mote et hett tema i kulturverden i disse dager. Project Runway har legioner av fans. Likevel dukker mote også opp som et gjenklang tema i museumsverdenen. Slike høysynlige utstillinger som "Aware: Art Fashion Identity" på Londons Royal Academy of Arts i 2010, og Costume Institute's 2010-show, "American Women: Fashioning a National Identity", samt 2011, "Alexander McQueen: Savage Beauty ”har plassert motesenteret i moderne utforskning av identitet.
Fashion Week hadde første premiere i 1943, hjernen til reklame maven Eleanor Lambert. Den mediekyndige Lambert, hvis klienter inkluderte Jackson Pollock og Isamu Noguchi, hadde hjulpet til med å finne Museum of Modern Art. Men hennes største lidenskap var mote. I 1940 opprettet hun den "International Best Dressed List" (som hun ville kuratere i flere tiår), og midt under andre verdenskrig bestemte hun seg for at det var på tide å avkone Paris og erklære USAs moteutvikling ved å lansere Fashion Week i New York.
Diana Vreeland av Richard Ely Crayon, blekk og gouache på papir 1989 (National Portrait Gallery, Smithsonian Institution © Richard Ely) På samme tid dukket Diana Vreeland opp som en naturkraft ved Harper's Bazaar. Redaktør Carmel Snow hyret henne i 1936, og hun la raskt navn til seg med sin spalte “Hvorfor gjør du ikke?” Disse utfluktene var vilt eksentriske, med Vreeland som muntert stilte spørsmål som: “Hvorfor skyller du ikke… blondt barns hår i død champagne, som de gjør i Frankrike? . . (og) vri pigtails rundt ørene som makroner? ”
Under krigen ble Vreeland en stor promotør av amerikanske designere. Hun skrev om lanseringen av Fashion Week i 1943, og utviste "integriteten og talentet til amerikanske designere." I stedet for den parisiske couture, argumenterte hun for at den dominerende stilen hadde blitt amerikansk, med spennende nye designere som sto for "amerikansk stil, og den amerikanske stilen livsstil."
Vreelands ikke-blinkende blikk ga oppmerksomhet til alt som omringet henne - sartorial, litterær, kunstnerisk. For henne var holdning og gest nøkkel: “Du må ha stil. . . .Det er en livsstil. Uten det er du ingen. ”Hun satte sitt stempel på hver del av magasinet, valgte klærne, overvåket fotografiet og jobbet med modellene. "Jeg vet hva de skal ha på seg før de bruker det, hva de skal spise før de spiser det, (og) jeg vet hvor de skal før det til og med er der!"
Fotograf Richard Avedon, som samarbeidet med henne i nesten 40 år, sa “Diana levde etter fantasi styrt av disiplin og skapte et helt nytt yrke. Hun fant opp moteredaktøren. Før henne var det samfunnsdamer som satte hatter på andre samfunnsdamer. ”Med Vreeland skiftet fokuset fra sosial klasse til personlighet:“ overveldende personligheter, ”begeistret hun, “ er de mest spenstige tingene i verden - samtale, folks interesser, atmosfæren som de skaper rundt dem. ”
I sine 26 år på Harper's Bazaar (1936-62) og hennes nærmeste tiår på Vogue (1962-71) formidlet Vreeland sin visjonære stilfølelse gjennom bemerkelsesverdige fotografier. Hos Bazaar samarbeidet hun spesielt med Louise Dahl-Wolfe om historiske skudd som januar-motehistorien fra januar 1942 som ble skutt på arkitekten Frank Lloyd Wrights Arizona-hus "Ship Rock" - som Vreeland selv fremsto som modell - og omslaget fra mars 1943 som introduserte en da ukjent Lauren Bacall, som følgelig ble pisket bort til Hollywood for å være medstjerne med Humphrey Bogart i To Have and Have Not.
Vreeland - som alltid snakket i superlativer - etablerte et særegent blikk som formante leserne sine til å være dristige, modige og fantasifulle: “mote må være den mest berusende utgivelsen fra verdens banalitet, ” erklærte hun en gang. "Hvis det ikke er der i mote, fantaser det!"
Da hun forlot Vogue i 1971, tenkte hun: "Jeg var bare 70 år. Hva skulle jeg gjøre, pensjonere meg?" Metropolitan Museum of Art-direktør Tom Hoving inviterte henne til å bli spesialkonsulent for Met's Costume Institute, og hun tok raskt fatt på skape en 3D-fantasiverden som ikke var begrenset av magasinspredning. Lys, rekvisitter, musikk og scenesett ble alle rullet ut for å lage utstillinger som feiret emner fra Ballets Russes til Balenciaga. Visene hennes var enormt populære inspirasjonskilder for samtidens publikum, og revitaliserte Costume Institute. Før hennes død i 1989 kuraterte Vreeland 14 utstillinger og kampanjer for å akseptere “mote som høy kunst” - ideen om at plagg var så mesterlig som tradisjonelle kunstverk som maleri og skulptur.
I sin bok Allure fra 1980 våget Vreeland mennesker å leve med lidenskap og fantasi. Ens kreativitet måtte være i konstant bevegelse, hevdet hun, fordi “Øyet må reise.” Jeg ba Ricki Peltzman, eier av Washingtons Upstairs på 7. butikk og en anerkjent motekurator, om å vurdere Vreelands varige innvirkning på mote. “Mote handler om stil. Det er personlig. Hver dag viser vi verden hvordan vi føler oss uten å måtte si et ord. Og ingen sa det bedre enn Diana Vreeland. ”
National Portrait Gallerys kulturhistoriker Amy Henderson skrev nylig om Walter Cronkite og de olympiske utøverne.
