Når folk sier at noen virkelig “lever” kunsten hennes, kan de bety at hun tar arbeidet sitt veldig alvorlig. Men i nesten tre måneder besto Linn Meyers liv virkelig av kunsten hennes - hun gjorde knapt noe annet. Hun tilbrakte så mange som 11 timer i døgnet i den sirkulære andre etasjen i Smithsonian's Hirshhorn Museum, og tegnet på veggene. Noe som kan høres ut som barns lek, men absolutt ikke.
Relatert innhold
- Museumsbesøkende kan spille denne veggkunsten som et instrument
- Hvorfor en kvinne spiller samme gitarakkord om og om igjen på Hirshhorn
Meyers brukte en kombinasjon av ytterste presisjon og fullstendig sjanse til å lage Our View From Here, en superstørr tegning som fascinerer seerne. Arbeidet hennes, som fyller 400 linjers fot med museumsveggareal, er utstilt gjennom 14. mai 2017, og er en del av en nylig innsats for å utnytte nye rom i Hirshhorn.
Museet var åpent en god del av tiden hun jobbet med stykket, og fascinerte besøkende og stirret mens hun brukte det ene valgte verktøyet - en slags tykk markør foretrukket av graffitikunstnere - på veggene, som ble malt i to nøytrale toner. Selv om hun holder seg til en enkelt farge, er effekten alt annet enn ensformig. De sinuous linjene danner bølger og mønstre som springer ut sammen med museets vegger, nesten ser ut til å bevege seg. Som utstillingskuratoren Stéphane Aquin sier: “Hun danser bare sammen med bygningen. Hennes kunst smelter vakkert sammen med arkitekturen. Hun avslører bevegelsen som ligger i bygningen. ”
Meyers, en Washington, DC-basert kunstner, lager både individuelle kunstverk i studioet sitt og stedspesifikke installasjoner som den på Hirshhorn (andre installasjoner har vært å se på Hammer Museum i Los Angeles og Phillips Collection i Washington, DC). Meyers forklarer at når hun skaper et stykke i et bestemt miljø, må hun naturlig nok ta hensyn til bygningen, til plassen som vil huse hennes arbeid: "Et av de første spørsmålene jeg stiller meg er, 'Hvor godt kan jeg nærme meg påfunn av arkitekturen? ' ”
Det viktigste "sære" ved den smultringformede Hirshhorn er at museumsbesøkende, seerne på Meyers installasjon, vil følge den sirkulære indre gangveien. "Plassen krevde at jeg skulle lage et stykke som viklet rundt plassen, rundt den banen som besøkende tar gjennom museet, " forklarer hun.
Meyers benyttet en kombinasjon av ytterste presisjon og fullstendig sjanse for å skape vårt syn herfra . (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) “Og så er det pauser i hele rommet - dører, innganger til gallerier. I eksisterende rom eller arkitektur er det alltid noe som blir en utfordring. Jeg mener ikke det på en negativ måte. En utfordring kan provosere litt ny tilnærming til måten et stykke vil utvikle seg på. Så i dette tilfellet er det slik sirkelen til galleriet er delt inn i åtte deler. Og disse åpningene er ikke alltid åpne. Noen ganger er rommet modifisert for en utstilling, og noe av rommet er avstengt. Stykket mitt vil overlappe med tre forskjellige show, og plassen vil endres for hvert show. Det måtte jeg tenke på. Det er nytt. Jeg har aldri hatt en dynamisk gallerirom før. ”
Meyers 'første skritt var å lage forberedende tegninger, gjort i kvart tommers skala. Deretter brukte Hirshhorn-ansatte CAD-programvare (Computer Assisted Design) for å spore et rammeverk - sirklene fra Meyers tegninger - direkte på museets vegger. Meyers satte seg da til å jobbe med graffiti-pennen sin fra Molotow, og lot hånden gå hvor den ville. Det er her tilfeldigheter og tilfeldigheter kommer inn.
"All bevegelsen du ser på tegningene er bare et resultat av prosessen, " forklarer hun. ”Det utvikler seg bare, linjene er ikke planlagt. Men komposisjonene er planlagt. Det er et skuespill mellom det tilsiktede og det utilsiktede. Geometrien er kartlagt på forhånd i mitt forberedende arbeid. Når jeg skulle starte en seksjon, spore jeg en sirkel. Det er planen, den tiltenkte. Etter det punktet svarer hver linje på linjen før den - en slags entropi, utenfor min kontroll. Altså: både tiltenkt og ikke tiltenkt. En fin metafor for livet! ”
Meyers brukte en tykk markør, foretrukket av graffitikunstnere, for å dekke veggene i to nøytrale toner. (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) Meyers 'valgfarge for dette prosjektet var en blågrå kalt Paynes grå. Fordi kunstneren utvannet fargen i forskjellige grader, var hun i stand til å oppnå forskjellige fargetettheter gjennom hele verket.
Når seerne går rundt rotundene, kan de se at markørenes linjer til tider er så svak at det bare er en hvisking, mens andre ganger tykner den til en flekk, og fremdeles andre steder er det en flekkete effekt. I visse deler av installasjonen er det mye veggplass som har blitt liggende ubenyttet, men andre seksjoner er fullpakket med sammenfylte bølgende linjer.
Meyers innså at de første seksjonene hun gjorde var et resultat av all energien hun hadde lagret opp mens hun tenkte på og planla prosjektet: “Det første par vegger som jeg gjorde, er annerledes enn det siste par murer. Først gruet jeg meg til å gå: alle de månedene med forberedelse og forventning. Merket er mer aggressivt. Jeg angrep slags veggene! ”Men når hun til slutt la flere av veggene stå tomme, merker hun“ en slags letthet. ”
"Hennes kunst smelter vakkert sammen med arkitekturen, " sier kurator Stéphane Aquin. (Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) På grunn av de sirkulære dimensjonene til rotunden kan seerne ikke se hele stykket på en gang. Det er bare ikke mulig. Og det påvirker hvordan de oppfatter arbeidet. Det var det samme for Meyers. “Jeg hadde denne visjonen om hvordan det hele ville se ut, men det er ikke som i studioet der øyet mitt kan passere frem og tilbake over et stykke. I studio lager jeg diskrete kunstverk, og du kan stå foran dem. Med dette klarer du bare ikke fysisk. Jeg kunne se seksjonen jeg for eksempel hadde ferdig, men da ikke delen jeg jobbet med. Du kan ikke se til og med en fjerdedel av det på en gang. "
Et slikt enormt foretak krevde mammutkonsentrasjon. Meyers, som vanligvis går i studioet sitt daglig og jobber med flere stykker samtidig, gjorde det heller ikke.
"Det var den lengste tiden jeg har vært borte fra studioet mitt, " sier hun. “Jeg gjorde ingenting annet. Det var bra. På den hektiske måten vi eksisterer i tid - fra sosiale medier til å stå opp og få dagligvarer til å være på telefonen - er det bare slik vi lever. Men med dette å fokusere på en ting - det var en så fantastisk ting å se fremgang hver dag. I timevis, og ikke løftet hodet mitt. “Jeg ville bare være så fokusert. Jeg måtte ta på meg skylappene. Det er noe vi bare ikke får gjøre. ”
Kanskje fordi Meyers fotografi er utstilt i museets resepsjon eller kanskje på grunn av den stille autoriteten hun utstråler når hun går gjennom den ferdige installasjonen, føler seerne at hun er kunstneren. De vil snakke, komplimentere henne, stille spørsmål, til og med posere for telefonbilder. Meyers griper tak for å forklare sin nye minikjendis. “Det er et element av mystikk i det som foregår i studioet, der verket kommer fra. Ikke at jeg kan destillere alle disse elementene for folk, men de kan se hvor enkelt det er: Bare meg som tegner en linje og så tegner en ny linje. ”
"Linn Meyers: Our View From Here" er på visning på Hirshhorn Museum and Sculpture Garden til og med 14. mai 2017 i Washington, DC Linn Meyers vil holde en tale om sitt arbeid som en del av Hirshhorn's Meet the Artist-serien onsdag mai 25, klokka 06:30 i museets auditorium. Det er gratis og åpent for publikum.
OPPDATERING 5/25/2016: En tidligere versjon av denne historien indikerte at det var artisten som jobbet med et CAD-program. Hun gjorde ikke. Museumsansatte brukte denne prosessen. Vi beklager feilen.
