"Jeg har danseskoene mine, " sa San Francisco-artisten Jeremy Sutton minutter før han steg opp en stigning for å tegne et tre timers live digitalt maleri av musikerne, båsene og minglinggjestene i Smithsonian American Art Museums Kogod Courtyard.
Eyeing Suttons svart-hvite vingetips, trompetspilleren Carey Rayburn, som leder det Seattle-baserte Good Co. elektro-svingbandet, var enig. "Ja, " sa han. "De er spanky."
Arrangementet 27. juni, med fokus på innovasjon innen kunst, var den siste i en tredelt “America Now” -serie, organisert av National Portrait Gallery, National Museum of American History og American Art Museum. Som Sutton malte, ble hans sanntidsskildring av festen trukket ut på en stor skjerm.
Sutton og kjæresten Peggy Gyulai (selv kunstner) var blant de titalls som danset under Good Co. og DJ Eliazars (Eli Hason) forestillinger. Vingespissene gjentok også den hvite "virvlingen" av en enorm ballong som arkitekten Nathalie Pozzi designet for gårdsplassen som en del av videospilldesigneren Eric Zimmermans "Starry Heavens" -spill. I spillet, hvis navn stammer fra et sitat på Immanuel Kants gravstein, prøver tause spillere å styrte en hersker.
Det Seattle-baserte elektro-svingbandet Good Co. opptrådte på arrangementet. (Renaud Kasma) Suttons maleri bundet på en måte alle de mange delene av arrangementet: musikerne, "Starry Heaven" -spillerne og stasjonene der besøkende kunne spille virtual reality, Oculus Rift-spill og fordype seg i andre digitale verdener. Alt var tross alt rettferdig spill for penselen, eller mer nøyaktig, hans Wacom Intuos Creative Stylus 2 og hans blyant av FiftyThree. Men alle i partiet hadde også noe til felles - de gikk alle rundt grensen mellom kunst og teknologi.
Ta Suttons iPad-stativ. En palett som han kjøpte på Amsterdams Van Gogh-museum (basert på størrelsen og formen på Vincents palett), den bærer maling fra tider da Sutton brukte gammeldagse børster og maling for å arbeide på et digitalt maleri trykt på lerret. Sutton har rigget paletten slik at han har to steder å koble en HDMI-kabel til sin iPad.
Programmerer og spilldesigner Greg Aring brakte Oculus Rift sine "opplevelser" eller spill, "Hellicott City" - et hjemsøkt vogntog hvis navn antagelig stammer fra Arings hjemby Ellicott City, Md., Og som han brukte rundt 120 timer på å tjene til et Halloween-kunstshow - og “Vrolleyball, ” som han sa er en kombinasjon av volleyball, baseball, karate og pong.
"Spill har kommet langt som kunstform i offentlighetens øye, " sa Aring. ”Det har alltid vært en debatt om hvorvidt spill er kunst, noe jeg synes er et tullete spørsmål. Bare det at Smithsonian la ut på en hendelse som dette, er virkelig oppmuntrende. Det er et godt tegn for å støtte lokale spillutviklere - mennesker som gjør kunst og liker teknologi som meg selv. ”
American Art Museum var vertskap for “The Art of Video Games” i 2012, en utstilling som feiret 40 år av mediet med vintage spillsystemer, filmet intervjuer med spilldesignere og muligheter til å spille banebrytende spill. I 2013 kjøpte museet to videospill, “Blomst” og “Halo 2600, ” for sin faste samling, bemerket sjef for utenrikssaker Jo Ann Gillula.
En ni år gammel ved navn Gabriel, som spilte "Hellicott City" og hvis mor bare ba om å bli identifisert ved fornavnet, sa at spillet var "ikke så skummelt", til tross for utseendet til "spøkelser og sånt, og hekser. ”Den beste delen, sa han, var en veldig rask berg- og dalbane-scene. "Det er veldig hyggelig, spennende, " sa han.
Andre besøkende valgte mellom å nippe til “Starry Heavens cocktails” av Limoncello di Capri og en fruktjuice-sammenkok, for å spille “Starry Heavens” -spillet.
Arkitekt Nathalie Pozzi, som tegnet ballongene, innrømmet at arbeidet med sin første rødme virket det minst teknologiske. Det var to store ballonger, en veldig stor sfærisk gul (som en stilisert sol) og en enorm "virvel" som fløt over, og et brett under der spillerne sto. "Linjalen" snakket fra en mikrofon, og de andre spillerne prøvde å manøvrere om å styrte ham eller henne. "Selv om spillet ikke er digitalt, ville konstruksjonen ikke være mulig uten det, " sa hun og la merke til at hun begynte tegning med blyant og papir, men at konstruksjonen ble ganske komplisert med at fans holdt ballongene oppblåst og 3D-utskrift involvert.
Og som man kunne forvente, hadde også musikerne mye å si om skjæringspunktet mellom kunst og teknologi. DJ Eliazar gjør et poeng av å forlate den bærbare datamaskinen sin når han opptrer, sa han, slik at han kan sette pris på det han kalte kunstens psykologiske og sosiologiske aspekter, ved å samhandle med og lese publikum. Hvis publikum ser utmattet, for eksempel, kan han spille noe mykt for å roe dem ned.
"Det er for mange alternativer inne i datamaskinen, og du blir sugd inn på skjermen og ikke samhandler, " sa han. Likevel, la han til, er teknologi avgjørende for deejaying. "Jeg kunne ikke gjort det jeg gjør uten det, " sa han.
Sasha Nollman, en vokalist fra Good Co., bemerket at bandet har et veldig sterkt tilknytning til tradisjonell jazz, men også en dyp forkjærlighet for elektronisk musikk. "Det er veldig spennende for oss at vi blander disse to tingene sammen, " sa hun. "Det er veldig spennende å bli invitert til et arrangement der det handler om å gjøre det, om å innovere disse eldre tradisjonelle musikkformene."
“Jazz er USAs musikk. Det er vår nasjonale kunstform, ”la trombonisten Colin Pulkrabek til. “Vi har et klart eierskap til det. Av den grunn må vi holde den i live og kontinuerlig tolke den slik vi synes passer, og prøve å holde den relevant for oss selv. ”
Musikerne - begge fra Good Co. og DJ Eliazar - var enige om at det var ganske spennende å bli malt i sanntid. Good Co.s bandleder Rayburn husket en fyr på en tidligere konsert i Eugene, Oregon, og kom opp etter showet og tegnet karikaturer fra musikerne. "Det var kjempebra, " sa han. På spørsmål om tegningene var smigrende, meldte han seg frivillig, “Mest. En av dem ser ut som en trollmann. ”
DJ Eliazar har opptrådt på kunståpninger før, der artisten tegnet ham. Han likte å se musikken sin påvirke artisten. "Du spiller noe, og plutselig går det inn i kunstverket deres, " sa han og husket litt Midtøsten-musikk han spilte på et tidligere arrangement. "Plutselig dukket det opp en kamel i maleriet hans."
Artisten Jeremy Sutton unngår "angre" -knappen når han maler ved hjelp av digitale medier. Han legger til lag med farger, i stedet for å trekke dem fra seg. (Shalom Gibly) Sutton, den digitale maleren, sa at han har skapt kunst på live-arrangementer ganske mye fra da han først hentet en datamaskin. Et parti fra 1991 forandret livet på flere måter enn han kunne ha kjent, opplyser den innfødte i London som studerte fysikk ved Oxford University. Sutton hadde bodd i Palo Alto siden 1988, hvor han solgte superledende magneter, da han, som han vant til å gjøre, skisserte folk på festen. Noen som så over skulderen, likte det hun så og tilbød å introdusere ham for en venn som laget malingsprogramvare.
”Jeg ante ikke hva de snakket om, men jeg sa: 'Selvfølgelig. Jeg vil gjerne, 'sa Sutton, som snart lærte seg programmet PixelPaint Pro. “Det forandret livet mitt. Jeg ble forelsket i hele dette mediet, ”sa han. "Jeg følte meg hjemme med det med en gang."
Til tross for at han jobbet i et fysikkstudio, innrømmet han flaut at han nesten aldri hadde brukt en datamaskin før han ble introdusert for digital maling. Men snart tok han fri fra jobben for å reise til Las Vegas for å demonstrere hvordan han brukte malingsprogramvare på skapermoden på grafikkshowet Siggraph. Etter å ha mistet jobben ble han kunstner på heltid, noe man ikke gjør, sier han, med mindre du har en viss blanding av fullstendig naivitet, tvangstanker og litt galskap.
"Det er ikke en oppskrift på noe av det som gir sikkerhet, " sa han.
Mens han maler under arrangementet “America Now”, som han alltid gjør, fikk Sutton føttene godt plantet i både den teknologiske og estetiske verdenen, og så ut til å dele ting til felles med både puristene som unner seg digitale børster og teknologevangelistene som ser bra ut. løfte innen digital kunst.
Han unngår å bruke "angre" -knappen, i stedet legge til fargelag i stedet for å trekke fra. Og han bruker ikke “pipetten” -verktøyet, som gjør at han kan gjenskape eksakte farger han brukte tidligere i maleriene. I stedet justerer han fargetone, metning og tone forny hver gang. Mens han snakket med en reporter dagen før hendelsen, demonstrerte han hvor raskt han kunne matche den røde fargen på en kaffekopp på tegneprogrammet hans; det tok noen sekunder.
"Jeg behandler mediene mine som et veldig formbart, transformerende medie, " sa han. “Det korrigerer ikke; det er alltid transformerende. ”
Den digitale artisten Jeremy Sutton maler en skildring i sanntid av Smithsonian American Art Museums arrangement "America Now! Innovation in Art"I maleriet han skapte 27. juni, bygde Sutton på en bakgrunn som han komponerte fra tre verk fra American Art Museums samling: Malcah Zeldis '"Miss Liberty Celebration" (1987), Marvin Beerbohm's "Automotive Industry" (1940) og Romare Beardens “Empress of the Blues” (1974). Flere av musikerne fra Beardens stykke vises fremtredende i Suttons endelige maleri, og det samme gjør Good Co.'s Sasha Nollman (i en tydelig blå kjole), Pulkrabeks trombone, hatten til DJ Eliazar, ballongen virvler og gårdsrommet i taket. Sutton tok ofte pauser fra arbeidet, som han opprettet med appen Sketch Club, for å snakke med besøkende i alle aldre om sitt arbeid, klassene han underviser stort sett i sitt studio i San Francisco og hans teknikker. Å samhandle med publikum på denne måten, bekreftet kjæresten Gyulai, er noe han liker veldig godt.
Kanskje mer symbolsk for skjæringspunktet mellom teknologi og kunst enn til og med iPad-staffeliet er måten Sutton trekker på fysikkopplæringen sin i sin kunst. Begge tilnærminger til å se på verden, sa han, har mye å gjøre med å søke mønstre, struktur og rytme, og deretter være kritiske til hva som vises på overflaten.
"Det handler om å se ting utover det du først ser, " sa han.
