Kunst å ha på seg opptar et unikt sted i det kreative universet. Denne hybride klassifiseringen har strekkende mote, håndverk og kunst historisk sett forsøkt å løfte kjolen over sin praktiske rolle. Fra 1890-tallet Pre-Raphaelites til 1930-tallet Surrealistiske metallsmeder til dagens øko-designere, erkjenner slike håndverkere at klærne vi bruker representerer ideer og meninger.
Fra denne historien
Kunst å ha på
Kjøpe
Erte: Art to Wear: The Complete Jewellery
KjøpeOfte knyttet til forskriftene om surrealisme eller Dada, begynte disse kunstnerne å eksperimentere med formene, mønstrene og materialene til smykker og klær. Faktisk fikk surrealisme som bevegelse populær aktelse fra sine fores til mote.
På toppen av denne sammensmeltingen av avantgardekunst og haute couture, samarbeidet en anerkjent italiensk designer ved navn Elsa Schiaparelli med slike surrealistiske armaturer som Jean Cocteau og Salvador Dalí. Med Dali skapte Schiaparelli et av sine mest slående plagg: Hummer-kjolen, en kremfarget silkagorgza-kappe med aksent med syntetisk hestehår skapt av Schiarparelli, som Dali deretter ornamenterte med en stor persilleflekket hummer.
Også kalt håndverk-til-slitasje-bevegelsen, og inkludert fiberkunst, lærhåndverk, smykker av alle materialer og alt mulig å tenke på å pryde selvet, identifiserte den bærbare kunstbevegelsen seg ikke som sådan før på 1960-tallet. Imidlertid erkjenner mange modernistiske kunstnere og gullsmeder som opprettet mellom 1920 og 1950, er blant de tidligste produsentene av håndverk.
Denne uken vises verkene til 50 kunstnere som selger alt fra smykker, klær, skjerf og vesker på Smithsonian Institutions årlige innsamlingsarrangement for Craft2Wear på National Building Museum i Washington, DC. Inntekter fra showet, produsert av Smithsonian Women's Committee, støtter tilskudd og stipender til forskning ved institusjonen.
Tre artister, Starr Hagenbring, Susan Sanders, og Kathleen Nowak Tucci, som jobber i en rekke fysiske materialer og med flere tiår med erfaring innen design, vil være blant dem som tilbyr varer til salgs på arrangementet. Deres kunst har dukket opp over hele kloden - fra et omslag av Vogue Italia til Margaret Thatchers-jakkeslaget på kringkastet tv.
Å forene disse tre kunstnerne og Crafts2Wear-showet er en varig interesse for å kombinere høy og lav kunst og materialer, i tråd med det forstyrrende oppdraget fra den miljøbevisste Wearable Art Movement på 1960- og 70-tallet.
Hagenbring forvandler mye revilerte bugs til komplekse, iriserende billedvev, og gjør “det stygge til vakkert.” Tucci gleder seg over å skape “noe av eksepsjonell verdi ut av noe som ville ha havnet i søppelfyllingene.” Og Sanders, som utdyper sammenstillingen mellom høye og lave materialer, fungerer i en ultra-tech plattform - 3D-utskrift - med billige industrimaterialer, og møter kunst der det kanskje ikke forventes.
Starr Hagenbring: The Beauty of Bugs
Den New York-baserte Hagenbring fortsetter den malte fiberkunsttradisjonen til Dali og Schiaparelli, og bruker stoff som lerret, fletter sammen fargede tråder og påfører lyse og opaliserende maling for å skape slående tabluer. Håndverket hennes, som kan sees og kjøpes i hennes butikk i New Orleans, Art & Eyes, tar på seg mange emner: klassiske og eksotiske silhuetter, abstrakte design og senest realistiske og abstrakte insekter.
Kreativiteten hennes stammer fra et ønske om å overvinne personlige aversjoner.
Som barn fikk edderkopper panikk henne til hun utfordret seg selv til å engasjere seg dypt i deres verden. Hun fant deres intrikate skjønnhet. Og opplevelsen fremkalte en livslang fascinasjon.
For rundt 25 år siden, mens han besøkte Burma, traff Hagenbring en carportvegg, dekket nesten helt med insekter av flere typer og størrelser. Det var som hun husker, “en Smithsonian Institution-visning av bugs.” For for overrasket over å bli avsky, undersøkte hun i stedet “displayet” og oppdaget et mangfold av størrelse, vingeformer, geometrisk mønster, skjulte kantler og generell skjønnhet. Nå skaper denne skapningens mangfoldighet og styrke mye av hennes bærbare kunst.
Insekter har inspirert til å lage kunstgjenstander i århundrer, fra tradisjonelle afrikanske masker til Picassos kubistiske malerier, er en arv Hagenbring erkjenner. Ved å fokusere på deres uventede skjønnhet og ikke riste seg bort fra store og realistiske detaljer, sier Hagenbring at hun har overvunnet " ew- faktoren" mange mennesker forbinder med feil. Hennes mål er å lokke folk til å finne den uventede kjærligheten og informerer et bredere ønske om å oppmuntre folk til, som hun ettertrykkelig sier: “Stopp, stopp, stopp. Se hva vi har rundt oss. ”
Kathleen Nowak Tucci: Økologisk estetikk
På 1960- og 1970-tallet omfavnet den nylig navngitte Wearable Art Movement også miljøbevissthet som en del av sitt oppdrag, med vekt på teksturer og kvaliteter til naturlige, bærekraftige materialer. Medlemmer av det begynnende samfunnet smeltet sammen estetikk med funksjon, og prøvde å forstyrre de tradisjonelle rangeringene eller hierarkiene i kunstneriske miljøer som løfter "fin" kunst over brukbare håndverk. En vektlegging av tekstilarbeider - tidligere avvist fra legionen til høye kunstnere som "kvinnearbeid" - fulgte med i den voksende kvinnens frigjøringsbevegelse.
Tilsvarende gjennomsyret av politisk valuta, kobler Kathleen Nowak Tuccys nylige arbeid sammen med økende globale bekymringer for økologisk ødeleggelse, avfall og forurensning, og utvider de tradisjonelle bærbare kunstneres interesse for “lave” eller outré-materialer til kasserte sykkelrør, jettisoned stål bremsekabler og brukte Nespresso kaffekapsler. Hennes resirkulerte smykker begynte med indre rør som ble "frigjort" fra støvsugene i sykkelverkstedene.
Mens Tucci ble truffet av mengden menneskelig avfall hun støter på, skjenkende avstengninger fra sykkel- og Harley-Davidson motorsykkelbutikker i Pensacola, Florida, ble Tucci opprinnelig tiltrukket av å jobbe med gummi fordi "materialene er så fantastiske." De formbare egenskapene til gummi, og stålets beskyttende egenskaper skaper et edgy utseende som minner om middelalderkjedepost - men mye mer bærbart.
I 2010 presenterte Vogue Italia Tuccis smykker på forsiden av et tema som rapporterte om det nylige BP-oljesølet i Gulf. Da noen var vitne til de fete bassengene som smurte vannet, var Tucci takknemlig for å kunne materialisere et budskap om spenst og håpet om oppstandelse gjennom hennes gjenvunnet utsmykking. Ikke lenge etter det, spekulerte Tucci en boks med godterifarget Nespresso-kapsler på kontoret til grafisk designer, og begynte å supplere den matte sorte av indre rør med de glitrende juveltonene av anodisert aluminium reddet fra søppelbøtter på kontoret. Etter hvert innså hun at Nespresso-kapslene holdt sine egne og skapte frittstående voldsomt lyse stykker. I mai 2015 vant Tucci Saul Bell Design Award i alternative materials, en kategori som inkluderer alt materiale som ikke er et edelt metall. Neste opp for økodesigneren? Tucci vil gjerne se et resirkulert utsagnsstykke gå den røde løperen fra Hollywood ved en større begivenhet (Maggie Gyllenhaal eller Tilda Swinton kunne bære det vakkert ut).
Susan Sanders: 3D Printing Her Captivating Handiwork
På 1980-tallet reflekterte bærbar kunst popestetikken og kunstige materialene som var populære på den tiden. Grafiske stiler og flate applikasjoner la vekt på overflatebilder. Inn i det 21. århundre har kunstbrukere fortsatt å eksperimentere med teknikker og materialer, inkludert senest 3D-utskrift. Susan Sanders, innfødte i Washington DC, begynte sin tur inn i mediet for noen år siden etter å ha brukt år på å ære sin estetikk på mangfoldige materialer, inkludert sølv, gull, silke, mikrofiber og stein. Arbeidene hennes har dukket opp i gallerier over hele verden og blitt solgt til et bredt spekter av kunder.
For mange år siden, da Sanders lagde store, fullstendig artikulerte bugbrosjer av edle metaller, produserte hun en spesielt stor og slående mygg. Ikke lenge etter at museumsbutikken på Whitney i New York solgte etableringen, dukket USAs utenriksminister Madeleine Albright på TV på seg. Tappen vises også i Albrights bok Read My Pins: Stories from a Diplomat's Jewel Box , og som del av en turneringsutstilling, som ankom Smithsonian Institution i 2010.
Sanders har brukt så mange forskjellige materialer i løpet av sin 42 år lange karriere - i løpet av alt hun har jobbet i Alexandria, Virginia's Torpedo Factory - fordi hun liker å oppdatere sin kunstneriske oppfatning med jevne mellomrom. Så da hun for første gang så noen 3D-trykte smykker for noen år siden, ble interessen hennes vekket. Etter et programvarekurs i samfunnet, et helgeverksted, utallige instruksjonsvideoer fra YouTube og enda flere gjetninger og eksperimenter, begynte Sanders å produsere sine egne 3D-trykte smykker, først i matt svart og deretter håndmalt i strålende fargetoner som forbedret mange sammenhengende vinkler på det fengslende arbeidet hennes. Sanders, som har en grad i industriell design fra Carnegie-Mellon, sier at hennes "smak lener seg mot geometriske former" og den abstrakte prosessen med å formulere designen hennes føles som om hun er "kommet hjem."
3D-designene hennes er alle skapt i ett stykke, men har ofte mange bevegelige deler: usynlige ledd, hengsler og nysgjerrige kuler. Den lette nylonplastikken som brukes i utskriftsprosessen, gjør det mulig for Sanders å lage større deler som fremdeles er veldig bærbare - og rimelige. De relativt lave kostnadene ved prosessen gjør at hun kan nå et bredere kjøpepublikum, en fin forandring fra å jobbe med edle metaller.
Alle de tre kvinnene er enige om at kundene som bruker produktene sine må være i eie, må være villige til å bli sett. Kjole, enten det er svettebukse eller en strålende illustrert billedekket pels, er performativ. Det vi har på oss, er den stadig fascinerende koblingen mellom våre private og publikums oppfatning. Årets artister på Craft2Wear tilbyr mange måter å bygge bro mellom humor, teft og individualitet.
Smithsonian Craft2Wear-showet i 2015 finner sted 1 til 3 oktober på National Building Museum i Washington, DC . Showet åpner torsdag 1. oktober med Advance Chance Party & Fashion Show fra 17:30 til 21:00. Billetter er 75 dollar og må kjøpes på forhånd. Daglig opptak for fredag 10.00 til 20.00, og lørdag 10.00 til 17.00 er $ 10 (bare kontanter) som betales ved døren. 2. oktober, fra klokka 17.30 til kl. 20.00, vil Artful Happy Hour (17:30 til 20:00) gi shoppere en sjanse til å skåle kunstnerens dyktighet og feire Smithsonian Women's Committee's mangeårige støtte til vitenskap og kunst . Tombola-billetter til et par øreringer i svart perle glimmer pod donert av kunstneren Keith Lewis og en påfugl-nettveske donert av håndverkskunstnere Bozenna og Lukasz Bogucki kan kjøpes for $ 5 hver eller fem for $ 20 hver dag av showet.
