WILLEM DE KOONING FREMDELES BLENDER | KUNST OG KULTUR | SMITHSONIAN - ARTIKLER, KUNST OG KULTUR, KUNST OG KUNSTNERE

I 1926 stuvet Willem de Kooning, en penniløs, 22 år gammel kommersiell kunstner fra Nederland, på en fraktbåt som skulle til Amerika. Han hadde ingen papirer og snakket ikke engelsk. Etter at skipet hans la til kai i Newport News, Virginia, tok han seg nordover med noen nederlandske venner mot New York City. Først fant han sin nye verden skuffende. "Det jeg så var en slags Holland, " husket han på 1960-tallet. “Lowlands. Hva faen ville jeg reise til Amerika for? ”Noen dager senere, men da De Kooning passerte gjennom en ferge- og togterminal i Hoboken, New Jersey, la han merke til en mann ved en skranke og skjenket kaffe for pendlere ved å sluse den inn i en rekke kopper. "Han bare strømmet fort for å fylle den opp, uansett hva som sølte ut, og jeg sa: 'Gutt, det er Amerika.'"

Fra denne historien

[×] STENGT

Willem de Koonings verk, som er vist her, er Ruths Zowie, 1957, avhengig av konstant gjenoppfinning: "Du må endre deg, " sa kunstneren ofte, "for å forbli den samme." (The Ovitz Family Collection, Los Angeles © 2011 Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Blant artistene som dukket opp på 1950- og 60-tallet, trosset de Kooning, som ble vist her i 1953, kategorisering. (Tony Vaccaro / akg-bilder)

De Kooning studerte ved Rotterdams akademi for kunst. "Klassisk trening frigjør deg til å gjøre dette, " ville han senere si om sitt abstrakte arbeid. Avbildet er hans stilleben fra 1917, fullført i en alder av 13. (Privat samling / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

På Manhattan ble de Kooning, med Arshile Gorky i 1937, trukket til modernistiske malere. (Oliver Baker, fotograf. Rudi Blesh-artikler, Archives of American Art, Smithsonian Institution)

Ved 1940-tallet hadde de Kooning startet en serie kvinnelige figurstudier, delvis inspirert av Elaine Fried, som han giftet seg i 1943. (John Jonas Gruen / Hulton Archive / Getty Images)

Etter andre verdenskrig nærmet de Koonings avantgardekrets kjendisstatus. Avbildet er gruppen, i Life, 1950; de Kooning er i bakerste rad, helt til venstre. (Nina Leen / Time Life Pictures / Getty Images)

Figurelementer punkterer det tvetydige rommet i Attic, 1949, ett i en serie av de Kooning etterkrigstidens svart-hvite komposisjoner. Selv kunstnerens mest abstrakte verk, sier forsker Richard Shiff, begynte ofte "med en henvisning til menneskefiguren." (The Metropolitan Museum of Art, NY / © 2011 Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Selv når kunstverdenen feiret abstraksjonene sine, fokuserte de Kooning energiene sine på den kvinnelige figuren, og arbeidet i to år på Woman I, 1950-52. "Skjønnhet, " sa kunstneren, "blir petulant for meg. Jeg liker det groteske. Det er mer gledelig." (Museum of Modern Art, NY / © 2011 Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

De Koonings sene arbeid hentet inspirasjon fra havet. Her vises Clamdigger, 1972, som vekker strandfalsere. (© Willem de Kooning Revocable Estate Trust / Adagp - Foto: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) 2011 Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Sittende mann, 1939, Willem de Kooning. (Kunstnerens gave gjennom Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1972 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Queen of Hearts, 1943-1946, Willem de Kooning. (Gave av Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Spesiell levering, 1946, Willem de Kooning. (Gave av Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Woman / Verso: Untitled, 1948, Willem de Kooning. (Gave av Joseph H. Hirshhorn Foundation, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Uten tittel III, 1981, Willem de Kooning. (Delvis gave av Joseph H. Hirshhorn, ved utveksling og Museumskjøp, 1982 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Studie for "Kvinne VI, " 1952, Willem de Kooning. (Gift of Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Uten tittel, 1949-1950, Willem de Kooning. (Gift of Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

To kvinner i landet, 1954, Willem de Kooning. (Gift of Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Sittende kvinne på en benk, 1972 / rollebesetning 1976, Willem de Kooning. (The Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York)

Fotogalleri

Relatert innhold

Hvorfor Elaine de Kooning ofret sin egen fantastiske karriere for hennes mer berømte ektemann
Clyfford Still's Sublime Art
Wayne Thiebaud er ikke popartist

Det var de Kooning også. Av malerne som dukket opp i New York på slutten av 1940-tallet og begynnelsen av 50-tallet - Jackson Pollock, Mark Rothko og Barnett Newman, blant dem - de Kooning, som døde i 1997, er fortsatt den vanskeligste å fange: Han er for vital, rastløs, jazzy, frekk og uforutsigbar å passe inn i en hvilken som helst kopp. Han krysset mange av kunstens grenser, og sølte mellom abstraksjon og formasjon over en periode på 50 år - uttrykte et stort utvalg av stemninger - uten bekymring for konvensjonene med verken konservativ eller radikal smak. I følge Irving Sandler, en kunsthistoriker som har kronisert utviklingen av etterkrigstidens amerikansk kunst, var det de Kooning som "var i stand til å fortsette den storslåtte tradisjonen for vestlig maleri og å avlede den i en ny retning, og skape en avantgarde-stil som snakket til vår tid. ”

De Kooning-retrospektivet som åpnet forrige måned på Museum of Modern Art (MoMA) - det første viet til hele omfanget av kunstnerens karriere i syv tiårene - presenterer et rikt, nyansert syn på en stor amerikansk maler. For kurator-emeritus John Elderfield, som arrangerte showet, var bestrebelsen uvanlig personlig: lokkingen til de Koonings kunst var med på å føre den engelskfødte Elderfield til å bosette seg i Amerika. Han argumenterer for at de Kooning er en maler av originalitet som oppfant en ny type moderne billedrom, et av tvetydigheter. De Kooning prøvde å beholde både de skulpturelle konturene og "svulmende, kronglete" planene i tradisjonell figurmaleri, antyder Elderfield, og det grunne billedplanet for modernistisk kunst som finnes i de kubistiske verkene av for eksempel Picasso og Braque. De Kooning utviklet flere forskjellige løsninger på dette visuelle problemet, og ble en kunstner som aldri så ut til å slutte å bevege seg og utforske. Han var i sin egen gåtefulle uttrykk en "glidende glimt."

I løpet av 50-årene ble de Kooning den mest innflytelsesrike maleren på dagen. "Han var en kunstner, " sier Richard Koshalek, direktør for Smithsonian's Hirshhorn Museum, som har en av de største samlingene av de Koonings verk. ”Han hadde stor innvirkning på et veldig bredt spekter av kunstnere.” Brice Marden, en maler som var gjenstand for et MoMA-retrospektiv fra 2006, er enig: ”Du ble oppdratt på de Kooning. Han var mesteren. Han var læreren. ”For mange var han også en romantisk skikkelse med filmstjerner og en eksistensiell swagger, da han drakk på Cedar Tavern i Greenwich Village med Pollock og flyttet fra kjærlighetsforhold til kjærlighetsforhold.

Til tross for suksessen, betalte de Kooning etter hvert en pris for sin uvillighet til å følge de rådende trendene. Hans stadig skiftende kunst - særlig hans voldsomme skildring av kvinner - ble stadig mindre av kritikere og kunsthistorikere i løpet av hans levetid. Elderfield antyder, det passet ikke lett med de verkene som ble antatt for å opprettholde den kjente modernistiske historien om en stadig mer raffinert abstraksjon. egen kolleksjon, som er betydelig sterkere i Pollock, Rothko og Newman enn i de Kooning.

Krangelen er avsluttet: Det nåværende retrospektivet gjør endringer. De Koonings sortiment ser nå ut som en styrke, og hans forførende stil - “forførende” er det riktige ordet, for penselstrøket hans er fullt av berøring - gir en malerisk glede som vi sjelden finner i vår tids kunst.

De Kooning vokste opp nær havnen i tøffe, arbeiderklasse Rotterdam. Han så sjelden sin far, Leendert - foreldrene hans ble skilt da han var en liten gutt - og hans dominerende mor, Cornelia, som hadde en rekke barer, flyttet hele familien hennes på jakt etter rimeligere boliger. Hun slo ham jevnlig. Penger var korte. I en alder av 12 år ble han lærling hos Gidding and Sons, et elegant firma med kunstnere og håndverkere i hjertet av fasjonable Rotterdam som spesialiserte seg i design og dekorasjon. Han fikk snart øyet av firmaets eiere, som oppfordret ham til å ta kurs etter jobb seks netter i uken på byens Akademi for kunst.

Som et resultat fikk de Kooning en sterk forankring i både kommersiell design og de klassiske prinsippene for høy kunst. Han var barmhjertig; retrospektivet på MoMA inkluderer det bemerkelsesverdige Still Life (1917) han laget på akademiet i en alder av 13 år. Han måtte imidlertid forsørge seg selv. Som 16-åring slo de Kooning ut på egenhånd, sirkulerte på de bohemske kantene av Rotterdam og hentet jobber her og der. Han begynte også å fantasere om Amerika, da av mange i Europa betraktet som et mytisk land av skyskrapere, filmstjerner og enkle penger - men kanskje ikke kunst. Da han stuet bort frakten, de Kooning senere husket, trodde han ikke at det var noen seriøse artister i Amerika.

I de første årene i Amerika, opprinnelig i Hoboken, New Jersey og deretter i New York, bodde han mye som han hadde i Rotterdam, og fant arbeid som kommersiell kunstner og malte tidvis på fritiden. Han fant ut at det faktisk var seriøse artister i Amerika, hvorav mange også tok kommersielle jobber for å overleve. Han begynte å tilbringe tiden på kaffebutikkene de favoriserte i Chelsea og Greenwich Village, og snakket bort natten over nikkel kopper kaffe. Nesten alle han kjente var fattige; salget av et maleri var sjeldent. I dette miljøet hadde det konstante engasjementet fra visse kunstnere - fremfor alt, hengivenheten til Arshile Gorky til tradisjonen med modernistisk maleri - en markant innvirkning på de Kooning.

Gorky, en armenskfødt innvandrer, hadde ingen tålmodighet for dem som ikke forpliktet seg uforbeholdent til kunst. Han hadde heller ikke tid til dem som han ansett som provinsiell eller mindreårig i deres ambisjoner, for eksempel de som romantiserte land i Amerika eller angrep sosial urettferdighet. (“Proletariatkunst, ” sa Gorky, “er dårlig kunst for fattige mennesker.”) Etter Gorkys syn, hvis du var seriøs, studerte du arbeidet til modernistiske mestere som Picasso, Matisse og Miró, og du ønsket å like eller bedre deres oppnåelse. Samtidige beskrev Gorkys studio på Union Square som et slags tempel til kunst. "Den store spenningen ved 36 Union Square, " sa Ethel Schwabacher, en student og venn av Gorky's, "lå i følelsen det fremkalte av arbeid utført der, arbeid i gang, dag og natt, gjennom lange år med lidenskapelig, disiplinert og dedikert anstrengelse."

Gorkys eksempel, sammen med opprettelsen av Federal Art Project, som betalte kunstnere en levende lønn under depresjonen, førte til slutt at de Kooning forpliktet seg til å være kunstner på heltid. På 30-tallet ble Gorky og de Kooning uatskillelige; deres pågående diskusjoner om kunst hjalp hver enkelt å utvikle seg til en stor maler. De Kooning, som kjemper for å lage en fersk type figurativ kunst, ofte malt wan, melankolske portretter av menn og sjeldnere kvinner. Han jobbet og omarbeidet bildene, og prøvde å forene sin klassiske trening med sin modernistiske overbevisning. Han kan tillate at et bilde forlater atelieret sitt hvis en venn kjøpte det, siden han kronisk hadde kontanter, men han kastet de fleste av lerretene sine i avsky.

På slutten av 30-tallet møtte de Kooning en ung kunststudent ved navn Elaine Fried. De skulle gifte seg i 1943. Fried var ikke bare vakker, hennes livlighet stemte overens med de Koonings reserve. Kryp aldri på luksusen, hun likte å si, nødvendighetene vil ta vare på seg selv. En av vennene hennes, kunstneren Hedda Sterne, beskrev henne som en "våghals." "Hun trodde på gester uten å angre, og hun gledet seg over sin egen spontanitet og spådom, " sa Sterne. "Jeg var veldig morsom, " minnes Elaine senere. “Jeg mener, mye moro.” Hun vurderte også de Kooning som en stor artist - godt før han ble en - som kan ha styrket tilliten hans.

En frisk sensasjon av den kvinnelige figuren, uten tvil inspirert av Elaine, begynte å gå gjennom de Koonings kunst. Fargen ble lysere. Grensene falt bort. Han virket ikke lenger begrenset av sin klassiske trening: kvinnene i maleriene truet nå med å bryte ut og gå fra hverandre; å skille figur fra bakken ble steder vanskelig. Artisten begynte å mestre sitt tvetydige rom. Det virket naturlig at de Kooning, som instinktivt foretrakk bevegelse fremfor stillhet og ikke trodde sannheten om figuren bare lå i dens overflateutseende, ville begynne å skifte langs et kontinuum fra det representative til det abstrakte. Enda til og med de mest abstrakte bildene hans, som de Kooning-lærde Richard Shiff har observert, "begynte enten med en henvisning til menneskefiguren eller innlemmet figurelementer underveis."

De Koonings trekk i slutten av 40-årene mot en mindre realistisk skildring av figuren kan ha blitt tilskrevet, delvis av ankomsten til byen tidligere i tiåret av en rekke berømte artister fra Paris, særlig André Breton og hans krets av Surrealister, alle flyktninger fra krigen. De Kooning var vanligvis ikke tilhenger av surrealisme, men bevegelsens vektlegging av det ubevisste sinn, drømmer og det indre liv ville ha forsterket hans egen utålmodighet med en rent realistisk skildring av verden. Surrealistene og deres beskytter, sosialitten Peggy Guggenheim, gjorde en stor sprut i New York. Deres tilstedeværelse inspirerte ambisjoner hos amerikanske artister.

Fortsatt forble de Kooning på marginene. Federal Art Project eksisterte ikke lenger, og det var lite eller ikke noe marked for moderne amerikansk kunst. Det var i denne mørke perioden de Kooning begynte sin store serie svart-hvite abstraksjoner. Han og hans nære venn, maleren Franz Kline, som ikke hadde råd til dyre pigmenter, gikk berømt ut en dag og kjøpte billig husholdning i svart og hvitt emalje og (ifølge legenden) begynte å forlate djevelen med å utsette store verk. Så enkelt var det selvfølgelig ikke. De Kooning hadde arbeidet i mange år for å nå dette øyeblikket; og på et vis, øyeblikket fant ham nå. Skrekken for andre verdenskrig - og beretninger om Holocaust som kom ut av Europa - skapte en ny oppfatning blant de Kooning og noen amerikanske artister i stor, om dyster, metafysisk skala. (De hadde også foran øynene, i MoMA, Picassos mektige, monokromatiske Guernica fra 1937, hans svar på den fascistiske bombingen av den spanske byen.) I motsetning til deres europeiske samtidige, levde ikke amerikanerne blant krigens ruiner, og de kom fra en kultur som feiret en Whitmanesque grenseløshet. De Kooning, hvis fødeby ble banket ned i steinsprut under krigen, var både en europeisk og en amerikansk, godt posisjonert for å lage malerier av mørk storhet. I 1948, da han nesten var 44 år, stilte han ut de såkalte “svart og hvite” på det lille og lite besøkte Egan Gallery. Det var hans første soloshow. Få solgte bilder, men de ble mye lagt merke til og beundret av artister og kritikere.

Det var også på slutten av 1940-tallet at Jackson Pollock begynte å lage sine legendariske "drypp" -abstraksjoner, som han malte på gulvet i studioet hans og vevde rytmiske nøster med maling over lerretet. Pollocks malerier, også hovedsakelig svart og hvitt, hadde en veldig annen karakter enn de Koonings. Mens de generelt er abstrakte, forble de Koonings knudrete bilder fulle av skimtet menneskelige deler og gester; Pollocks formidlet en transcendent følelse av løslatelse fra verden. Tittlene på de to største bildene i de Koonings svart-hvite serie, Attic and Excavation, antyder at artisten ikke har tenkt å glemme hva verden begraver eller legger til side. (De Kooning likte uten tvil de skiftende implikasjonene av titlene. Attic, for eksempel, kan referere til et faktisk loft, foreslå himmelhøydene eller huske det gamle Hellas.) Hvert maleri er fullt av figurerende hendelser - en skuldervending her, en hevelse i hoften der, men en bestemt kropp kan ikke sees i noen av dem. "Til og med abstrakte former, " sa de Kooning, "må ha en likhet."

De Kooning fullførte Excavation, hans siste og største bilde i serien, i 1950. Direktøren for MoMA, Alfred Barr, valgte deretter ut maleriet, sammen med verk av Pollock, Gorky og John Marin, for å representere USA på Venezia-biennalen —En signal ære for alle de fire amerikanske modernistene. Journalister begynte å merke seg. Pollock var gjenstand for en fotospredning i Life magazine 1949. Kjendisens lys begynte å fokusere på det som hadde vært et uklart hjørne av amerikansk kultur. Sidney Janis Gallery, som spesialiserte seg i europeiske mestere, begynte nå å slå de Kooning og andre amerikanske artister som verdige etterfølgere til Picasso eller Mondrian. Kritikere, kuratorer og kunsthandlere begynte stadig oftere å hevde at når det gjaldt kunst, var New York det nye Paris.

På begynnelsen av 50-tallet var De Kooning en maler av voksende anerkjennelse med en blå sjetong-abstrakt stil. De fleste av hans samtidige trodde han ville fortsette å produsere malerier i den stilen. Men i en av de mest motsatte og uavhengige handlingene i historien til amerikansk kunst ga han opp sine svart-hvite abstraksjoner for å fokusere hovedsakelig, nok en gang, på den kvinnelige figuren. Han kjempet over et enkelt lerret i nesten to år, og vennene hans ble stadig mer opptatt av hans velvære da han kontinuerlig revidert og skrapt bort bildet. Til slutt la han maleriet til side i fortvilelse. Bare inngripen fra den innflytelsesrike kunsthistorikeren Meyer Schapiro, som ba om å få se det under et studiobesøk, overtalte de Kooning til å angripe lerretet nok en gang - og konkluderte med at han var ferdig med Woman I (1950-52). Deretter fullførte han i rask rekkefølge flere kvinnelige malerier.

De Kooning beskrev Kvinne I som en flirende gudinne - “heller som de mesopotamiske avguder, ” sa han, som “alltid står rett opp, ser mot himmelen med dette smilet, som om de bare var overrasket over naturkreftene ... ikke om problemer de hadde med hverandre. ”Hans gudinner var kompliserte: på en gang skremmende og morsomme, eldgamle og samtidige. Noen kritikere likte dem med Hollywood bimboer; andre trodde dem arbeidet til en misogynist. Billedhuggeren Isamu Noguchi, en venn av de Koonings, erkjente deres ambivalens: "Jeg lurer på om han virkelig hater kvinner, " sa han. "Kanskje han elsker dem for mye." Mye av komplikasjonen kommer fra den ustabile blandingen av vulgaritet og en forfining i de Koonings pensel. "Skjønnhet, " sa de Kooning en gang, "blir petulant for meg. Jeg liker det groteske. Det er mer gledelig. ”

Ikke overraskende tvilte de Kooning på at showet hans for nylig arbeid i 1953 ville være vellykket, og datidens ledende kunstkritiker, Clement Greenberg, mente de Kooning hadde tatt en feil vending med Woman- serien. Mye til de Koonings overraskelse var imidlertid showet en suksess, ikke bare blant mange kunstnere, men blant et publikum som stadig ønske å omfavne amerikansk maleri.

De Kooning fant seg plutselig en stjerne - den første kjendisen, uten tvil, i den moderne amerikanske kunstverdenen. Den eneste maleren på begynnelsen av 50-tallet av sammenlignbar eller større status var Jackson Pollock. Men Pollock, som da falt i avansert alkoholisme, bodde hovedsakelig i Springs (en landsby nær East Hampton på Long Island) og ble sjelden sett på Manhattan. Søkelyset fokuserte derfor på de Kooning, som ble sentrum i en livlig scene. Mange fant ham uimotståelig, med hans nederlandske sjømannutseende, idiosynkratiske ødelagte engelske og sjarmerende aksent. Han elsket amerikansk slang. Han vil kalle et bilde "kjempefint" eller en venn "en varm potet."

I denne drivhusverdenen hadde de Kooning mange sammenfiltrede kjærlighetsforhold, som også Elaine gjorde. (De skilte seg ut på 1950-tallet, men skilte seg aldri.) De Koonings affære med Joan Ward, en kommersiell kunstner, førte til fødselen i 1956 av hans eneste barn, Lisa, som han alltid var viet til - selv om han aldri ble mye av en far til hverdagen. Han hadde også en lang affære med Ruth Kligman, som hadde vært Pollocks kjæreste og som overlevde bilulykken i 1956 som drepte Pollock. Kligman var både en ambisiøs kunstner som lengtet etter å være musen til en viktig maler og en trykkende ung kvinne som fremkalte stjerner som Elizabeth Taylor og Sophia Loren. "Hun satte virkelig bly i blyanten min, " sa de Kooning berømt.

Etter Woman- serien utviklet de Kooning en serie abstraksjoner (den mest kjente er påskedag ) som fanger opp den skitne, kvisende følelsen av livet i New York City ved midten av århundret. På senere 50-tallet forenklet han børsteslaget. Nå begynte lange brede malinger å sveipe over lerretet. Han tilbrakte økende tid i Springs, der mange av vennene hans hadde sommerplasser. Bildene fra slutten av 50-tallet henviser ofte til landets lys og farge, mens de selvfølgelig inneholder figurative elementer. Ruths Zowie (1957) har en slags erklærende plan og selvtillit. (Kligman ga tittelen da hun kom inn i de Koonings studio, og da han så bildet, utbrøt "Zowie!") De Kooning lærte aldri å kjøre bil, men han elsket å reise på de brede nye amerikanske motorveiene. I 1959 mobbet kunstverdenen galleriåpningen til det som noen ganger kalles motorveiserien hans: store, frimodig streke landskap.

De Kooning var aldri helt komfortabel som kjendis. Han forble alltid delvis en fattig gutt fra Rotterdam. (Da han ble introdusert for fru John D. Rockefeller III, som nettopp hadde kjøpt Woman II, hemmet han og hektet og blåste deretter ut: "Du ser ut som en million dollar!") Som mange av hans samtidige, begynte han å drikke sterkt . På toppen av sin suksess mot slutten av 1950-tallet var de Kooning en overstadig drikker, og forsvant noen ganger i mer enn en uke av gangen.

På 50-tallet hadde mange unge kunstnere etterlignet de Kooning; kritikere kalte dem ”andre generasjons” malere - det vil si tilhengere av pionerer som de Kooning. På 60-tallet forandret kunstverden seg imidlertid raskt da pop- og Minimal-artister som Andy Warhol og Donald Judd brakte en kul og kunnskapskraftig ironi til kunst som var fremmed for de Koonings frodige sansbarhet. Disse unge kunstnerne ønsket ikke å være ”andre generasjon”, og de begynte å avfeie den eldre malerens verk som for rotete, personlige, europeiske eller, som de Kooning kan si det, gammel hatt.

I 1963, da de Kooning nærmet seg 60 år gammel, forlot han New York City for Springs med Joan Ward og deres datter. Livet hans på Long Island var vanskelig. Han ble gitt til melankoli, og han harmet på å bli behandlet som en maler som ble etterlatt av historien. Han fortsatte med jevne mellomrom, som noen ganger endte med innleggelsen hans på Southampton Hospital. Men kunsten hans fortsatte å utvikle seg på ekstraordinære nye måter.

De Kooning fordypet seg på landsbygda på Long Island. Han bygde et stort, eksentrisk studio som han likte med et skip, og han ble en kjent skikkelse rundt Springs, og syklet nedover sandveiene. Hans figurative arbeid på 60-tallet var ofte urovekkende; hans smak for karikatur og det groteske, tilsynelatende i Woman I, ble også funnet i slike seksuelt ladede verk som The Visit (1966-67), et vått og saftig bilde av en grinende froskekvinne som lå på ryggen. I hans mer abstrakte bilder så kvinnekroppen og landskapet i økende grad ut til å smelte sammen i den løse, vannrike malingen.

De Kooning begynte også å lage ekstraordinært taktile figurative skulpturer: Clamdigger (1972) virket trukket fra den primære oksen. Maleriene som fulgte, for eksempel ... Whose Name was Writ in Water (1975), var ikke mindre taktile, men hadde ikke den samme gjørmete. Ekstatiske utbrudd av vann, lys, refleksjon, maling og kroppslig følelse - kanskje en refleksjon delvis av de Koonings lidenskap for den siste store kjærligheten i livet hans, Emilie Kilgore - maleriene ser ut som ingenting annet i amerikansk kunst. Og likevel, på slutten av 70-tallet, avsluttet de Kooning brått, og typisk serien. Bildene, sa han, kom for lett.

Det var også på slutten av 70-tallet at de Kooning først begynte å vise tegn på demens. Hans kone, Elaine, som kom tilbake i livet hans på dette tidspunktet, begynte å overvåke ham nøye. I økende grad, som 80-tallet hadde på seg, ville han være avhengig av assistenter for å flytte lerretene sine og legge ut malingene sine. Noen kritikere har nedvurdert de stadig ekstra maleriene i denne perioden. Elderfield behandler den sene stilen med respekt. I de beste av de sene verkene ser det ut til at de Kooning følger hånden hans, det uforlignelige børsteslaget frigjort for enhver byrde og likevel livlig som alltid. "Så er det en tid i livet, " sa han i 1960, mens han slet av New York City, "når du bare tar en tur: Og du går i ditt eget landskap."

De Kooning døde 19. mars 1997 i sitt studio på Long Island, i en alder av 92. Han reiste en enorm avstand i løpet av sitt lange liv, og flyttet mellom Europa og Amerika, gammel mester og modernist, by og land. De Koonings kunst, sa maleren Robert Dash, "ser ut til å alltid si farvel." De Kooning likte selv å si, "Du må endre for å være den samme."

Mark Stevens er medforfatter, sammen med sin kone Annalyn Swan, av Pulitzer-prisvinnende de Kooning: An American Master .

Willem de Kooning Still Dazzles

Fra denne historien

Relatert innhold

Frosthead

Det vil ta måneder å synke på dyr som er fanget i la Brea-tjæreputene

Hvordan kunstneren bak det gigantiske liggende portrettet på kjøpesenteret brukte et super-presist GPS-satellittanlegg som en pensel

Mario Batali om hvorfor bønder skal være de sanne stjernene i restaurantverdenen

Frank Clifford om "Howling Success"

State of the National Mall, etter innvielsen

Kan gamle teknikker gjøre moderne vin bedre?

Små fly i nær fremtid kan kjøre på naturgass

Innbydende skriving: Restaurant- og kjøkkenoverraskelser

Etter andre verdenskrig gjorde Japan et av verdens sterkeste forpliktelser til militær pasifisme - som det nå skal myke opp

Til forsvar for klattfisken: Hvorfor “verdens styggeste dyr” ikke er så stygg som du tror det er

Det kunne ha vært Reginald the Red-Nosed Reindeer

Hvordan flyr mygg i regnet?

En ny Orca-art kan ha blitt oppdaget utenfor kysten av Chile

Sjimpanser har en medfødt følelse av rettferdighet

Folk er for optimistiske når det gjelder hvor mye optimisme som gjelder

Hvorfor vi ikke har en babypanda