Alle trender blir tydeligere med tiden. Ser du på kunst til og med 15 år ute, "kan du se mønstrene litt bedre, " sier Melissa Ho, assistentkurator ved Hirshhorn-museet. "Det er større, dypere trender som har å gjøre med hvordan vi lever i verden og hvordan vi opplever det."
Så hva er egentlig moderne kunst? Spørsmålet, sier hun, er mindre svarbart enn uendelig diskuterbart.
Teknisk, sier Ho, er moderne kunst “det kulturelle uttrykket for det historiske øyeblikket av modernitet.” Men hvordan man pakker ut denne uttalelsen blir bestridt. En måte å definere moderne kunst, eller hva som helst, er å beskrive hva den ikke er. Tradisjonell akademisk maleri og skulptur dominerte 1600-, 1700- og 1800-tallet. "Det handlet om perfekt, sømløs teknikk og å bruke den perfekte, sømløse teknikken for å utføre veldig veletablerte emner, " sier Ho. Det var et hierarki av sjangre, fra historiemalerier til portretter til stilleben og landskap, og veldig strenge forestillinger om skjønnhet. "En del av modernismens seier er å velte akademiske verdier, " sier hun.
I noe av et tilbakeslag til tradisjonell akademisk kunst handler moderne kunst om personlig uttrykk. Selv om det ikke alltid var tilfelle historisk, forklarer Ho, "nå virker det nesten naturlig at måten du tenker på kunstverk er som et uttrykk for en individuell visjon." Modernismen spenner over et stort utvalg av kunstnere og kunstarter. Men verdiene bak brikkene er stort sett de samme. "Med moderne kunst er det denne nye vektleggingen som ligger på verdien av å være original og gjøre noe nyskapende, " sier Ho.
Edouard Manet og impresjonistene ble delvis betraktet som moderne, fordi de skildrer scener fra det moderne liv. Den industrielle revolusjonen brakte mange mennesker til byene, og nye former for fritid dukket opp i bylivet. Inne i Hirshhorns gallerier påpeker Ho Thomas Hart Bentons People of Chilmark, et maleri av en masse sammenfiltrede menn og kvinner, noe som minner litt om en klassisk Michelangelo eller Théodore Géricaults berømte flåte av Medusa, bortsett fra at det er en moderne strandscene, inspirert av Massachusetts-byen der Benton sommer. Ringside Seats, et maleri av en boksekamp av George Bellows, henger i nærheten, og det samme gjelder tre malerier av Edward Hopper, ett med tittelen First Row Orchestra of theatregoers som venter på at gardinene skal tegnes.
I renessansekunst ble en høy premie satt på å etterligne naturen. "Så når det er blitt fliset bort, får abstraksjon blomstre, " sier Ho. Verker som Bentons og Hoppers er en kombinasjon av observasjon og oppfinnelse. Kubistene begynte på begynnelsen av 1900-tallet å leke seg med rom og form på en måte som krengde den tradisjonelle billedvisningen.
Kunsthistorikere bruker ofte ordet "autonome" for å beskrive moderne kunst. "Det sproglige er" kunst for kunstens skyld, "forklarer Ho. “Det trenger ikke å eksistere for noen form for nytteverdi annet enn sin egen eksistensielle grunn for å være det.” Så å vurdere moderne kunst er et annet dyr. Heller enn å spørre, som man kan med et historiemaleri, om fortelling - Hvem er hovedpersonen? Og hva er handlingen? - Å miste et maleri, si av Piet Mondrian, handler mer om komposisjon. "Det handler om komposisjonsspenningen, " sier Ho, "den formelle balansen mellom farge og linje og volum på den ene siden, men også bare den ekstreme renheten og strengheten i den."
I følge Ho sier noen at modernismen når sitt høydepunkt med Abstract Expressionism i Amerika under andre verdenskrig. Hver kunstner av bevegelsen prøvde å uttrykke sitt individuelle geni og stil, spesielt gjennom berøring. "Så du får Jackson Pollock med dryppende og kastende maling, " seier ho. "Du får Mark Rothko med de veldig lysende, tynt malte fargefeltene." Og i motsetning til det usynlige penselverket i sterkt glaserte akademiske malerier, er strekene i maleriene av Willem de Kooning løse og noen ganger tykke. "Du kan virkelig føle hvordan det ble laget, " sier Ho.
Kort tid etter andre verdenskrig begynte imidlertid ideene som driver kunsten å endre seg. Postmodernismen trekker seg bort fra det moderne fokuset på originalitet, og verket er bevisst upersonlig. "Du ser mykje arbeid som brukar mekaniske eller kvasi-mekaniske midlar eller skrivebordsmidlar, " seier ho. Andy Warhol bruker for eksempel silkeskjerm, og fjerner direkte berøringen, og velger emner som spiller av ideen om masseproduksjon. Mens moderne artister som Mark Rothko og Barnett Newman tok fargevalg som var ment å knytte seg til betrakteren følelsesmessig, introduserer postmoderne artister som Robert Rauschenberg sjanse til prosessen. Rauschenburg, sier Ho, var kjent for å kjøpe maling i umerkede bokser på jernvarebutikken.
"Postmodernismen er assosiert med dekonstruksjonen av ideen, " Jeg er det kunstneriske geniet, og du trenger meg, "sier Ho. Kunstnere som Sol LeWitt og Lawrence Weiner, med verk i Hirshhorn, rykker forfatteren enda mer ut. Weiner sitt stykke med tittelen “A RUBBER BALL THROWN ON the Sea, Cat. Nr. 146, ”vises for eksempel på museet i store, blå, sans-serif bokstaver. Men Weiner var åpen for at de syv ordene ble gjengitt i hvilken som helst farge, størrelse eller skrift. "Vi kunne ha tatt en markør og skrevet den på veggen, " sier Ho. Med andre ord vurderte Weiner sin rolle som kunstner mer om unnfangelse enn produksjon. På samme måte er noen av LeWitt's tegninger fra slutten av 1960-tallet i utgangspunktet tegninger etter instruksjon. Han gir instruksjoner, men alle i teorien kan utføre dem. "I denne etterkrigsgenerasjonen er det denne trenden på en måte mot å demokratisere kunsten, " sier Ho. "Som Sol LeWitt-tegningen, er det denne oppfatningen at alle kan lage kunst."
Etiketter som "moderne" og "postmoderne", og prøver å finne start- og sluttdatoer for hver periode, noen ganger irk kunsthistorikere og kuratorer. "Jeg har hørt alle slags teorier, " sier Ho. ”Jeg tror sannheten er at moderniteten ikke skjedde på et bestemt tidspunkt. Det var denne gradvise transformasjonen som skjedde over et par hundre år. ”Selvfølgelig er de to gangene som av praktiske grunner må settes datoer når man underviser i kunsthistorikurs og arrangerer museer. Etter Hos erfaring starter moderne kunst typisk rundt 1860-tallet, mens den postmoderne perioden slår rot på slutten av 1950-tallet.
Begrepet "samtid" er ikke knyttet til en historisk periode, så vel som moderne og postmoderne, men beskriver i stedet ganske enkelt kunsten "i vårt øyeblikk." På dette tidspunktet er imidlertid arbeid som dateres tilbake til omkring 1970 ofte betraktet som moderne. Det uunngåelige problemet med dette er at det sørger for et stadig voksende antall moderne arbeider som professorer og kuratorer er ansvarlige for. ”Du må bare følge med på hvordan disse tingene går, ” råder Ho. "Jeg tror de kommer til å bli omdefinert."
