Filippo Tommaso Marinetti var den første kunstneren i moderne tid som tenkte på tilberedning og forbruk av mat som kunst. Den avantgarde futuristbevegelsen, dannet av Marinetti og andre kunstnere i Milano i 1909, omfavnet den industrielle tidsalderen og alle mekaniske ting - fra biler og fly til produksjonsmetoder og byplanlegging. De mente at matlaging og bespisning, så sentral i alles hverdagsliv, også skulle være sentralt i deres langsynte, fjerntliggende idealer.
Relaterte leser
Arcimboldo
KjøpeRelatert innhold
- 1870-tallets meierilobby gjorde Margarine Pink slik at folk ville kjøpe smør
I 1932 ga Marinetti ut The Futurist Cookbook . Det var ikke bare et sett med oppskrifter; det var et slags manifest. Han kastet matlaging og forbruk som del av et nytt verdensbilde, hvor underholdning ble avantgardistisk forestilling. Boken foreskrev de nødvendige elementene for et perfekt måltid. Slik servering måtte ha originalitet, harmoni, skulpturell form, duft, musikk mellom baner, en kombinasjon av retter og forskjellige smaksutsatte smaker. Kokken skulle bruke høyteknologisk utstyr for å tilberede måltidet. Politikk kunne ikke diskuteres, og mat måtte tilberedes på en slik måte at å spise den ikke krevde sølvtøy.
Marinettis innspilling kunne ikke ha spådd hvilken rolle mat ville komme til å spille i kunsten nesten et århundre senere. Samtidskunstnere har brukt mat til å komme med uttalelser: politiske (spesielt feministiske), økonomiske og sosiale. De har åpnet restauranter som kunstprosjekter, gjennomført forestillinger der mat tilberedes og serveres i gallerier, og laget forseggjorte skulpturer fra spiselige materialer som sjokolade og ost. Forferdelig som det kunne ha virket for Marinetti, omfavner noen artister i dag mat som et avslag på alle og alt som er fremtidsbesatt.
Når jeg ser tilbake, har mat alltid spilt en rolle i kunsten: hulermaler fra steinalder brukte grønnsaksjuice og animalsk fett som bindende ingredienser i malingene sine, og egypterne skar piktogrammer av avlinger og brød på hieroglyfiske tabletter. Under renessansen malte Giuseppe Arcimboldo, maler for Habsburg-domstolen i Wien, og senere, for Royal Court i Praha, finurlige puslespil-lignende portretter der ansiktsfunksjonene var sammensatt av frukt, grønnsaker og blomster.
Når jeg tenker på mat og kunst, husker jeg intuitivt de store, vakre stillebenene i den nederlandske gullalderen som jeg møtte første gang i en kunsthistorisk klasse i den nordlige renessansen. I disse strålende maleriene blir hver overflate, fra de glinsende fjærete strøk med andekadaver på skinnende sølvfat til den duggende huden på frukt og bær, gjengitt nøye for å skape illusjonen om at festen sitter rett foran betrakteren. På 1600-tallet attesterte slike malerier eiernes rikdom og intellektuelle engasjement. Matene som ble avbildet hadde symbolsk betydning ofte relatert til bibelske tekster, og hvordan gjenstandene var ordnet - og som hadde blitt fortært - formidlet et budskap om tidens flyktige natur eller behovet for temperament.
Som ung kunstner studerte jeg Cezannes tykke gjengivelser av epler og appelsiner. For postimpressionistiske malere som Cezanne var observasjon fra livet bare begynnelsen på en stort sett fantasifull prosess. De verdsatte livlige farger og livlige penselstrøk over fortidens hyperrealisme.
I løpet av pop art-tiden ble mat en sosial metafor. Wayne Thiebaud malte rader med paier og kaker i lyse pastellfarger som brakte reklame og barneleker til tankene. Hans arrangementer ble presentert som utstillinger på en spisestue, snarere enn hjemmekoselige trekk i privatlivet, og gjenspeilte et reiserute samfunn der overdådige desserter betegnet amerikansk overflod.
Denne artikkelen er et utvalg fra Smithsonian Journeys Travel Quarterly Atlas of Eating Issue
Hver kultur har sitt eget kjøkken, og hvert kjøkken har sin egen hemmelige historie. Denne spesielle utgaven av Journeys gir et dyptgående blikk på mat og kulinarisk kultur rundt om i verden, inkludert dyptgående historier og favorittoppskrifter.
KjøpeOmtrent på samme tid begynte kunstnere å bruke ekte mat som kunstmateriale. I 1970 laget den sardoniske sveitsisk-tyske artisten Dieter Roth, også kjent som Dieter Rot, et stykke med tittelen "Staple Cheese (A Race)" - et ordspill på "brattfelt" - som besto av 37 kofferter fylt med ost og andre oster presset på veggene med den hensikt at de skulle dryppe, eller “løp”, mot gulvet. Noen dager etter at utstillingen åpnet i Los Angeles, ga utstillingen en uutholdelig stank. Galleriet ble overkjørt av magger og fluer, og folkehelseinspektører truet med å legge det ned. Kunstneren erklærte at insektene faktisk var hans tiltenkte publikum.
Feministkunstnerne på slutten av 1960- og begynnelsen av 1970-tallet betraktet det amerikanske forholdet til mat i forhold til begrensningene det satte kvinner. Feminister hevdet at det personlige - inkludert de mest dagligdagse aspektene i dagliglivet - var politiske. I 1972 leide Miriam Schapiro og Judy Chicago et ledig 17-roms hus i Los Angeles som var planlagt til riving og gjorde det til en massiv kunstinstallasjon. Schapiro og andre kvinnelige kunstnere opprettet en oppslukende installasjon i spisesalen, og etterlign prosessen jentene følger når de pynter dukkehus. Prosjektet deres, både en forestilling og en installasjon, fordømte samfunnets doble standard - forskjellen i forventninger og muligheter for menn og kvinner. Mens gutter ble opplært til å lykkes i verden, ble det forventet at jenter skulle holde hus for sine ektemenn. Senere ville feministkunstnere som Elizabeth Murray antyde at kvinner er tilstrekkelig mektige til å håndtere både det verdslige og det hjemlige i verk som “Kitchen Painting” (1985), der en klatt skje bundet til en figur som sitter foran et kjøkken ser ut til å boltre seg bildet fly og konfrontere betrakteren.
I 1974 riffet Chicago på spisestue-temaet igjen da hun begynte "The Dinner Party", en konseptuell tour de force som nå ble plassert i Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, på Brooklyn Museum. Med et team av talentfulle kunsthåndverkere laget Chicago i løpet av flere år et 48 fot langt trekantet middagsbord med stedsinnstillinger for 39 kulturelle bemerkelsesverdige kvinner, noen virkelige og noen mytiske, fra forhistorie til moderne kvinnebevegelse. Hver innstilling inkluderer et håndlaget serviett, en keramisk plate, en beger og en løper, alt med ikonografi tilpasset den spesifikke kvinnen. Når tidslinjen konvergerer på nåtiden, blir platene mer og mer tredimensjonale, og symboliserer kvinners voksende frihet og politiske makt.
I løpet av 1990-tallet ble mange artister innstilt på den personlige fremmedgjøringen som ville følge av innføringen av hjemme-datamaskinen og andre skjermbaserte aktiviteter. For å bøte på begynnende anomie, innviet noen disiplinen til "relasjonell estetikk" - nå kjent mindre ugjennomsiktig som "sosial skulptur" - i samsvar med hvilken menneskelig interaksjon, inkludert å spise sammen, ble tenkt som en kunstform i seg selv. En av de mest fremtredende utøverne var Rirkrit Tiravanija, som begynte å lage mat og servere mat til seerne på gallerier og etterlot gryter, panner og skitne retter i galleriet i løpet av utstillingene sine.
I dag lærer begynnende kunstnere fortsatt å male stilleben av frukt og grønnsaker. Mange vender seg senere fra å male for å forfølge nyere, mer eksperimentelle medier, men matsentrerte kunstnere fortsetter ofte å tro på kraften til pigment på lerret. New York-baserte malere Gina Beavers, Walter Robinson og Jennifer Coates er gode eksempler. Beavers kammer Internett for fotografier av mat, som hun deretter kombinerer til multibildekollasjer og malerier på store lerreter. Robinson er pre-okkupert av whisky, cheeseburgere og andre gjenstander med lengsel. Coates fokuserer på junk food, og lager malerier der s'mores, mac 'n' ost og pizza har abstrakte former. Totalt sett er det en sunn spenning mellom tradisjon og ikonoklasme i samtidsmatkunst. Noen 85 år etter utgivelsen virker Marinettis kokebok fortsatt foran kurven, men kanskje ikke så langt foran.
