GAUGUIN'S BUD FOR GLORY | KUNST OG KULTUR | SMITHSONIAN - ARTIKLER, KUNST OG KULTUR, KUNST OG KUNSTNERE

Paul Gauguin manglet ikke på selvtillit. "Jeg er en stor kunstner, og jeg vet det, " skrøt han i et brev i 1892 til kona. Han sa omtrent det samme til venner, forhandlerne og publikum, og beskrev ofte arbeidet hans som enda bedre enn det som hadde kommet før. I lys av moderne kunsthistorie var tilliten hans berettiget.

Relatert innhold

Jan Lievens: Ut av Rembrandts skygge
Van Gogh i Auvers
Edvard Munch: Beyond The Scream

En maler, billedhugger, trykkeri, keramiker og forfatter, står i dag som en av gigantene til postimpresjonismen og en pioner for modernismen. Han var også en stor historieforteller og skapte fortellinger i hvert medium han berørte. Noen av historiene hans var sanne, andre nesten fabrikasjoner. Selv de frodige Tahitiske mesterverkene som han er mest kjent for, gjenspeiler et eksotisk paradis som er mer imaginært enn ekte. Fablene Gauguin snurret var ment å markedsføre seg selv og hans kunst, en intensjon som var mer vellykket med mannen enn hans arbeid; han var godt kjent i løpet av sin levetid, men maleriene hans solgte dårlig.

"Gauguin skapte sin egen persona og etablerte sin egen myte om hva slags mann han var, " sier Nicholas Serota, direktøren for Londons Tate, hvis utstilling, "Gauguin: Maker of Myth, " reiste forrige måned til Washingtons National Gallery av kunst (til 5. juni). "Gauguin hadde den ekte følelsen av at han hadde kunstnerisk storhet, " sier Belinda Thomson, kurator for Tate Moderns utstilling. "Men han spiller også spill, så du er ikke sikker på om du kan ta ham bokstavelig."

Av de nesten 120 verkene som er utstilt i Washington, skildrer flere fristende selvportretter Gauguin i forskjellige former: strevsomme maler i et garretstudio; forfulgt offer; til og med som Kristus i hagen til oliven. Et selvportrett fra 1889 viser ham med en helgen glorie og en djevelsk slange (med Garden of Eden-epler for godt mål), noe som antyder hvor motstridende han kunne være.

Gjerne kunstneren ville vært fornøyd med den fornyede oppmerksomheten; målet hans var tross alt å være berømt. Han kledde seg bisarr, skrev selvbetjenende kritikk av sitt arbeid, gikk bak pressen og delte til og med ut bilder av seg selv til fansen. Han var ofte full, krigførende og promiskuøs - og muligens selvmord. Han fjernet seg fra Paris-samfunnet til stadig mer eksotiske steder - Bretagne, Martinique, Tahiti og til slutt til Marquesas-øyene i Fransk Polynesia - for å unnslippe en verden han følte moderniserte for raskt.

Hans livlige farger, utflating av perspektivet, forenklede former og oppdagelsen av såkalt primitiv kunst førte til at lærde krediterte ham med å påvirke Fauvism, kubisme og surrealisme. Hans mektige personlighet bidro også til å etablere konvensjonen om kunstner som ikonoklast (tror Andy Warhol eller Julian Schnabel). "Han hentet fra fransk symbolikk og poesi, fra engelsk filosofi, Bibelen og South Seas legender, " sier Mary G. Morton, kurator for franske malerier i National Gallery. "Han tok en flerkulturell tilnærming til arbeidet sitt."

Soyez mystérieuses (Vær mystisk) er tittelen Gauguin ga til en trebasert avskjæring av en kvinnelig bader. Det var et bud hvor han levde. Som om maleriene hans ikke var tilstrekkelig fulle av tvetydigheter, ga han dem bevisst forvirrende titler. Noen var i form av spørsmål, for eksempel Hvor kommer vi fra? Hva er vi? Hvor skal vi?, en tropisk scene så rart som tittelen. Andre ble skrevet på tahitisk, et språk som noen potensielle kjøpere fant motbydelig for. Selv i de tidligste bildene ville Gauguin sette inn en merkelig gjenstand: en stor tankard, for eksempel i det ellers sjarmerende portrettet av sin sovende unge sønn, Clovis. I The Loss of Virginity er det rare elementet en rev, hvis poter tilfeldig hviler på brystet til en naken kvinne som ligger i et bretagne-landskap. (Modellen, en syerske i Paris, skulle snart føde Gauguins barn, en datter ved navn Germaine.)

Kunstneren selv var sannsynligvis reven på bildet, et dyr han hevdet var det "indiske symbolet på perversitet." En åttende peruansk, denne sønnen av borgerlige parisere, omtalte seg ofte som en del villmann. Hans første forhandler, Theo van Gogh (bror til Vincent), foreslo at Gauguins arbeid var vanskelig å selge fordi han var "halvt Inka, halvt europeisk, overtroisk som førstnevnte og avansert i ideer som visse av de sistnevnte."

The South Seas ga Gauguin noen av sine beste muligheter til å lage legender. Skuffet over at mange tradisjonelle ritualer og guder allerede hadde forsvunnet fra Tahitisk kultur, rekonstruerte han ganske enkelt sin egen. Tilbake i Paris skapte han en av sine mest gåtefulle skulpturer: en grotesk kvinnelig naken med svulmende øyne, som trampet en blodig ulv ved føttene sine mens han tok tak i en mindre skapning med hendene. Gauguin vurderte det som hans keramiske mesterverk, og ville at det skulle plasseres på graven hans. Tittelen: Oviri, tahitisk for "villmann."

Gauguins liv var interessant nok uten all mytologisering. Han ble født Eugene Henri Paul Gauguin 7. juni 1848 i Paris til en politisk journalist, Clovis Gauguin, og hans kone, Aline Marie Chazal, datter av en fremtredende feminist. Med revolusjoner som feide Europa da Paul knapt et år gammel, søkte familien den relative sikkerheten til Peru, der Clovis hadde tenkt å starte en avis. Men han døde underveis og forlot Aline, Paul og Pauls søster, Marie, for å fortsette til Lima, der de bodde hos Alines onkel.

Fem år senere kom de tilbake til Frankrike; Gauguin var tilbake på høye hav da han var 17 år, først i handelsflåten, deretter i den franske marinen. "Som du kan se, livet mitt har alltid vært veldig rastløs og ujevn, " skrev han i Avant et Après (før og etter), selvbiografiske innslag som ble publisert etter hans død. "I meg, mange blandinger."

Da moren til Gauguin døde, i 1867, ble hennes nære venn Gustave Arosa, en finansmann og kunstsamler, hans verge. Arosa introduserte avdelingen sin for malere i Paris, hjalp ham med å få en jobb som aksjemegler og sørget for at han skulle møte Mette Gad, den danske kvinnen han ville gifte seg i 1873.

På den tiden var Gauguin omgitt av mennesker som ønsket å være kunstnere, inkludert stipendiat Émile Schuffenecker, som ville forbli en venn selv etter at andre var lei av Gauguins opptøyer. De deltok på kunstshow, kjøpte franske bilder og japanske trykk og dyppet i oljer. Selv om han bare var søndagsmaler, hadde Gauguin et landskap som ble akseptert på den viktige Paris-salongen i 1876. Og seks år senere, da han mistet jobben i aksjemarkedet i 1882, tok Gauguin opp maleriet på heltid, selv om han hadde en kone og fire barn å forsørge. "Ingen ga ham ideen om å male, " sa Mette til en av ektemannens biografier mye senere. "Han malte fordi han ikke kunne gjøre noe annet."

For å spare penger flyttet familien, som til slutt skulle omfatte fem barn, til Mette familiehjem i København. Gauguin beskrev seg selv som "mer enn noen gang plaget av sin kunst", og han varte bare et halvt år med svigerforeldrene sine, og vendte tilbake med sønnen Clovis til Paris i juni 1885. Clovis ble satt under Maries omsorg; Gauguin bodde aldri med familien igjen.

En søken etter stadig billigere losji førte ham til Brittany i 1886, hvor kunstneren snart skrev til sin kone med karakteristisk bravado at han ble "respektert som den beste maleren" i Pont-Aven, "selv om det ikke gir mer penger i lommen min. ”Kunstnere ble trukket til landsbyen på Frankrikes vestlige spiss for robustheten i landskapet, de kostymerte innbyggerne som var villige til å stille, og de keltiske overtro som ble lagt på katolske ritualer som gjennomgikk dagliglivet. "Jeg elsker Brittany, " skrev Gauguin. “Jeg finner det ville og det primitive her. Når treskoene mine resonerer på denne granittmarken, hører jeg den dempet, kraftige trossen jeg leter etter i maleriet. ”

Selv om en beundrer av Claude Monet, en samler av Paul Cézanne, en student av Camille Pissarro og en venn av Edgar Degas, hadde Gauguin lenge søkt å gå lenger enn impresjonismen. Han ønsket at kunsten hans skulle være mer intellektuell, mer åndelig og mindre avhengig av raske inntrykk av den fysiske verden.

I Pont-Aven tok arbeidet hans en radikalt ny retning. Visjonen om prekenen var det første maleriet der han brukte livlige farger og enkle former innenfor dristige, svarte konturer, i en stil kalt Cloisonnism som minner om glassmalerier. Effekten flyttet maleriet bort fra den naturlige virkeligheten mot et mer annet verdensrommet. I Preken deler en tremme på et felt av vermilion bildet diagonalt, japansk stil. I forgrunnen har en gruppe bretonske kvinner, deres tradisjonelle panseret som ser ut som "monstrøse hjelmer" (som Gauguin skrev til Vincent van Gogh), lukket øynene. Øverst til høyre er deres kollektive religiøse opplevelse: den bibelske scenen om Jakob som bryter med en gullvinget engel. Én kritikers svar på det stemningsfulle, hallusinerende bildet var å salve Gauguin mesteren av symbolismen.

Fornøyd med det store lerretet, vervet Gauguin kunstnervenner til å ta det med til presentasjon for en steinkirke i nærheten. Men den lokale presten nektet donasjonen som "ikke-religiøs og uinteressant." Gauguin benyttet seg av denne brenneren som en PR-mulighet, skrev rasende brev og oppmuntret sine samarbeidspartnere til å spre ordet tilbake i Paris. Som kunsthistoriker Nancy Mowll Mathews har bemerket, “gauguin's Vision of the Permon fikk mer beryktethet ved å bli avvist enn det noen gang ville ha vært fra å bli høflig akseptert av presten og like høflig satt i et skap.”

I 1888, som nå er legendarisk, inviterte Vincent van Gogh Gauguin, som han hadde møtt i Paris, til å bli med ham i Arles for å opprette en kunstners 'Studio of the South'. Først drog Gauguin, med argumenter for at han var syk, gjeld. -kjørt eller for involvert i en potensiell forretningsforetak. Men Theo van Gogh tilbød den evig fattige Gauguin en grunn til å akseptere sin brors invitasjon - et stipend i bytte for et maleri i måneden. Gauguins to måneders opphold i Arles 'gule hus viste seg å være produktivt - og fult. "Vincent og jeg er ikke enige om mye, og spesielt ikke om å male, " skrev Gauguin i begynnelsen av desember. I et beruset argument like etter, nærmet van Gogh Gauguin med en barberhøvel. Gauguin flyktet, og van Gogh vendte barberhøvelen på seg selv og avskåret en del av øret. Likevel korresponderte de to til van Gogh drepte seg 18 måneder senere.

Etter at Gauguin kom tilbake til Paris fra Arles, skapte han en av sine mest bisarre utskjæringer, Self-Portrait Vase in the Form of a Severed Head . Kanskje en hentydning til døperen Johannes, dette stentøyhodet drypper med makaber rød glasur. Kom det grusomme bildet fra den blodige opplevelsen med van Gogh? Guillotinering av en domfelt morder Gauguin hadde nylig vært vitne til? Eller var det bare et nikk til den daværende nåværende fascinasjonen for det makabre?

Den universelle utstillingen fra 1889, som Eiffeltårnet ble bygget for, markerte et avgjørende øyeblikk for Gauguin. Han deltok entusiastisk på Buffalo Bills Wild West-show, beundret gipsavstøpningene til det buddhistiske tempelet i Borobudur og så på maleriene som ble vist. Artister som ikke var inkludert i disse statlig sponsede utstillingene prøvde å utnytte messens popularitet (28 millioner mennesker viste seg) ved å organisere sine egne show utenfor omkretsen. Men den ubudne Gauguin, støttet i stor grad av den hengivne Schuffenecker, monterte på audmøst et gruppeshow på Volpinis Café på messeområdet.

Gauguin ble spesielt tatt med Exposjonens etnografiske skjermer, med innfødte fra Frankrikes kolonier i Afrika og Sør-Stillehavet. Han malte javanske dansere, samlet fotografier av Kambodsja og ellers vekket lysten på et tropisk Elysium. Han ønsket, skrev han, å "bli kvitt sivilisasjonens innflytelse ... å fordype meg i jomfruelig natur, ikke se andre enn villmenn, for å leve livet." Han var også klar over at "nyhet er viktig for å stimulere den dumme kjøper offentlig. ”

Det var sannsynligvis utstillingen som pekte ham mot Tahiti. Da han forberedte seg på turen året etter, skrev han til en venn at "under en vinterløs himmel, på fantastisk fruktbar jord, trenger Tahitiansen bare å rekke armene opp for å samle maten." Beskrivelsen kommer nesten ord for ord fra Exposjonens offisielle håndbok.

Da han ankom Fransk Polynesias hovedstad, Papeete, i juni 1891, fant Gauguin det mye mindre eksotisk enn han hadde forestilt seg - eller håpet. "Tahitisk jord er blitt helt fransk, " skrev han til Mette. “Misjonærene våre hadde allerede introdusert en god del protestantisk hykleri og utslettet noen av poesien” på øya. Misjonærene hadde også forvandlet kvinnemote, uten tvil til Gauguins forferdelse, fra den tradisjonelle sarong og pareu til bomullskjoler med høye krager og lange ermer. Han flyttet snart til landsbyen Mataiea, hvor lokalbefolkningen, så vel som det tropiske landskapet, var mer til hans smak fordi de var mindre vestlige.

Gauguin erkjente bortfallet av den gamle Tahitianske orden i sitt urovekkende maleri Arii Matamoe (The Royal End) . Midtstykket er et avskåret hode, som Gauguin kjølig beskrev som "pent anordnet på en hvit pute i et palass ifølge oppfinnelsen og beskyttet av kvinner også etter min oppfinnelse." Inspirasjonen til maleriet, hvis ikke halshugging, kan ha vært begravelse til kong Pomare V, som Gauguin var vitne til like etter ankomst til øya; Pomare ble ikke halshugget.

Skjønt en heftig antikleriker, kunne ikke kunstneren riste sin katolske arv helt. Hans respektfulle The Last Supper kontrasterer glansen av Kristus kromgule glorie med nøkterne stammesistninger. I Nativity holder en Tahitisk sykepleier babyen Jesus, mens en grønnvinget engel står vakt og en utmattet Maria hviler.

I notatbøkene så vel som fantasien bar Gauguin de verkene som betydde mest for ham. Blant dem: fotografier av egyptiske gravmalerier, mesterverk fra renessansen og en auksjonskatalog fra 1878 over hans verge Arosas samling, med verk av Camille Corot, Gustave Courbet og Eugene Delacroix. Som mange artister i dag - Jeff Koons, Richard Price og Cindy Sherman, blant dem - eksproprierte Gauguin fritt fra dem alle. "Han skjulte ikke lånene sine, som var omfattende, " sier kurator Thomson. "Det er en annen måte han er så moderne på."

På veggen i bambushytta hans i Mataeia hang Gauguin en kopi av Olympia, Édouard Manets revolusjonerende maleri av en skamløs naken prostituert med en blomst i håret. Noensinne som rampemakeren førte Gauguin sin unge elskerinne Tehamana til å tro at det var et portrett av kona. Tehamana var forbilde for flere arbeider i utstillingen, inkludert Merahi Metua no Tehamana (The Ancestors of Tehamana), Te Nave Nave Fenua (The Delightful Land) og Manao tupapau (The Spirit of the Dead Keeps Watch) .

Selv om Manets mesterverk, som Gauguin en gang hadde kopiert, utvilsomt inspirert Manao tupapau, ligger Gauguins elsker ikke på ryggen som Olympia, men på magen, og øynene ser over skulderen hennes i skrekk mot tupapau, en svart hetteånd, nær foten av sengen.

"Slik det ser ut, er studien litt usømmelig, " erkjente Gauguin i Noa Noa, en beretning om hans Tahitiske reiser han skrev etter at han kom tilbake til Paris. "Og likevel, jeg vil gjøre et kyskt bilde, et som formidler den innfødte mentaliteten, dens karakter, dens tradisjon." Så Gauguin skapte en bakhistorie for maleriet, en som kanskje eller ikke kan være sant. Han hevdet at da han kom tilbake til hytta sent en natt, hadde lampene slukket. Når han tente en fyrstikk, skremte han Tehamana fra søvnen at hun stirret på ham som om han var en fremmed. Gauguin ga en rimelig årsak til frykten sin - ”de innfødte lever i konstant frykt for [tupapau].” Til tross for hans anstrengelser for å kontrollere og moderere fortellingen, fant det svenske kunsthøgskolen Manao tupapau usett og fjernet den fra en Gauguin-utstilling i 1898.

Selv om Gauguins to år i Tahiti var produktive - han malte rundt 80 lerreter og produserte mange tegninger og treskulpturer - hentet de inn lite penger. Motløs bestemte han seg for å returnere til Frankrike, og landet i Marseilles i august 1893 med bare fire franc til hans navn. Men med hjelp fra venner og en liten arv, var han snart i stand til å montere en enmannsvisning av sitt Tahitiske verk. Kritisk mottakelse var blandet, men kritikeren Octave Mirbeau forundret Gauguins unike evne til å fange ”sjelen til dette nysgjerrige løpet, dets mystiske og forferdelige fortid og den rare solskinnslyden.” Og Degas, da på høyden av hans suksess og innflytelse, kjøpte flere malerier.

Han gjorde Montparnasse-studioet sitt til en eklektisk salong for diktere og kunstnere. Han spilte for anerkjennelse, kledde han seg i en blå storfrakk med en astrakhan fez, bar en håndhugget stokk og forbedret sitt slående bilde med nok en ung elskerinne, tenåringen Anna den javanske, og kjæledyrapen hennes. Hun fulgte Gauguin til Pont-Aven, der Gauguin planla å tilbringe sommeren 1894. Men i stedet for å glede seg over den kunstneriske stimulansen til Bretagne, befant Gauguin seg snart i et slagsmål med bretonske seilere, som plukket på Anna og apen hennes, som forlot ham med et brukket bein. Mens han kom seg, vendte Anna tilbake til Paris og plyndret sin leilighet, og gjorde en ettertrykkelig slutt på deres måneder lange forhold.

Feminister kan se Ananas handling som tilbakebetaling for Gauguins lange misbruk av kvinner. Tross alt forlot han sin kone og sine barn, oppsøkte mindreårige elskere og levde et liv med hedonisme som endte med hjertesvikt forverret av syfilis. Likevel uttrykte han ofte tristhet over sitt mislykkede ekteskap og savnet barna spesielt. Og han skapte langt flere kvinnelige bilder enn hanner, og delte med sine symbolistiske samtidige ideen om det evige feminine, der kvinner enten var forførende femmes fatales eller dygde kilder til åndelig energi. Hans kjekke, gåtefulle tahitiske kvinner er blitt ikoner for moderne kunst.

Så er det den forseggjorte dørskjæringen som identifiserer Gauguins endelige bopel i de avsidesliggende, franske polynesiske Marquesas-øyene, rundt 850 kilometer nordøst for Tahiti. Han dro dit i en alder av 53 i september 1901 for å finne, sa han, "usiviliserte omgivelser og total ensomhet" som vil "gjenvinne fantasien min og bringe talentet mitt til en konklusjon." Dørens sans-serif-utskårne brev uttaler Maison du Jouir ( House of Pleasure) - effektivt, et sted for dårlig anseelse. Kanskje for å plage sin nabo, den katolske biskopen, inneholder portalen stående kvinnelige nakenbilder og formaningen til "Soyez amoureuses vous serez heureuses" - "Vær forelsket og du vil være lykkelig." Tatekurator Christine Riding antyder at verket kanskje ikke er så antifeministisk som dagens metoder kan indikere. Gauguin tilbyr kanskje kvinner en befriende ide: Hvorfor skulle de ikke like å elske like mye som menn?

Gauguin tilbrakte de siste dagene sine på å kjempe mot kolonimyndigheter over påstått korrupsjon, samt hva han anså som uberettigede regler om alkohol og barnemoral. I hjemmekjole og bare føtter argumenterte han også - i retten - for at han ikke skulle måtte betale skatt. "For meg er det sant: Jeg er en villmann, " skrev han til Charles Morice, samarbeidspartneren til memoaret Noa Noa . “Og siviliserte mennesker mistenker dette, for i verkene mine er det ingenting som er så overraskende og forvirrende som dette" villmann til tross for meg selv ". Det er grunnen til at [mitt arbeid] er ufravikelig. ”

Da helsen hans ble dårligere vurderte Gauguin å returnere til Europa. Hans venn Daniel de Monfreid argumenterte imot det og sa at artisten ikke var opptatt med å ta turen og at en retur til Paris ville sette hans voksende rykte i fare. "Du er for øyeblikket den ekstraordinære, legendariske kunstneren som sender fra Oceanias dyp, sine forvirrende, uforlignelige verk, de definitive verkene til en stor mann som som den forsvunnet fra jordens overflate."

Gauguin døde i en alder av 54 år 8. mai 1903 og ble begravet i Marquesas, syk og nærmest uten penniless. Et lite tilbakeblikk ble holdt i Paris det året. En stor utstilling på 227 verk fulgte i 1906, noe som påvirket blant annet Pablo Picasso og Henri Matisse. Gauguin var berømt til slutt.

Ann Morrison er tidligere redaktør for Asiaweek og medredaktør av Time 's European edition. Hun bor nå i Paris.

Paul Gauguin insisterte i et selvportrett fra 1889 at han ønsket å "bli kvitt sivilisasjonens innflytelse." (National Gallery of Art, Chester Dale Collection)

Gauguins Tahitiske elskerinne Tehamana modellerte for mange av sine South Seas-verker, inkludert den frodige Te Nave Nave Fenua (The Delightful Land), 1892, der en Tahitian Eve når en blomst. (Ohara kunstmuseum)

Arii Matamoe (The Royal End), 1892, kan være basert på begravelsen til Tahitianske kong Pomare V. (J. Paul Getty-museet, Los Angeles)

Gauguin kalte bas-lettelsen utskjæring av en kvinnelig bader være Mysterious, 1889, et bud som han levde sitt liv. (Musée D'Orsay / Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY)

Dette glaserte keramiske hodet, 1889, er et selvportrett av Gauguin. (Dansk museum for kunst og design, København)

"Vincent og jeg er ikke enige om mye, " skrev Gauguin, 1888, om Arles husmann av Gogh. (Bridgeman Art Library International)

Hvorfor inkluderte Gauguin en tresprang i portrettet av sønnen, Clovis Asleep, 1884? Svaret kan ligge i kunstnerens behov for å trosse konvensjonen, eller mer sannsynlig at han ganske enkelt likte å male det: den verdsatte besittelsen dukker opp i flere av hans arbeider. (Privat samling)

Selv om en heftig antikleriker, vev Gauguin symboler på sin katolske oppvekst i mange av maleriene hans. I Nativity, 1896, holder en Tahitiansk barnepike babyen Jesus, mens en grønnvinget engel står vakt; i bakgrunnen sover Mary. (The State Hermitage Museum, St. Petersburg)

"Jeg er en stor artist og jeg vet det, " skrev Gauguin i et selvportrett fra 1903 i 1892. "Det er fordi jeg vet at jeg har tålt slike lidelser." (Kunstmuseum / Erich Lessing / Art Resource)

Gauguin malte Merahi Metua no Tehamana (Forfedrene til Tehamana) i Tahiti i 1893. (The Art Institute of Chicago, Gift of Mr. and Mrs. Charles Deering McCormick)