Alle merknadene var kommet og takken ble levert ved den nylige åpningsmottakelsen for Smithsonian American Art Museums nye utstilling “Crosscurrents: Modern Art from Sam Rose and Julie Walters Collection.” Da indikerte Rose og Walters at de hadde en siste ting å kunngjøre: De gav David Smiths 1952, Agricola IV, museet.
Relatert innhold
- Et maleri Georgia O'Keeffe ønsket ødelagt vises for første gang på nesten 60 år
Virginia Mecklenburg, museets sjefkurator som hadde søkt et sentralt Smith-verk for samlingen i 25 år, var målløs. "Når de kommer for salg, er de priset mye utover museets evne til å skaffe dem, " sa hun om Smiths arbeider. Kunngjøringen overrasket henne ytterligere, siden samlerne nettopp hadde kjøpt skulpturen på auksjon i fjor vår.
"De hadde ikke en gang eid det kanskje seks måneder, " sa Mecklenburg.
Museets første store Smith-skulptur vises i det siste galleriet med "Crosscurrents", en utstilling med 88 verk av 33 kunstnere som er vist gjennom 10. april 2016. Showet, som fokuserer på malerier og skulpturer fra 1900-tallet, sporer begynnelsen og utviklingen av modernismen som del av en utveksling av ideer mellom europeiske og amerikanske kunstnere.
Museet har skaffet seg flere andre verk av Smith gjennom årene, inkludert den lille bronsen fra 1956-57, Europa og kalven, studien fra 1938-39, Private Law and Order Leagues, og 1935, Reclining Figure, en skulptur som også vises i showet.
Det siste, sa Mecklenburg, anskaffet i 2013, er et av Smiths tidligste arbeider, "da han akkurat begynte å sveise ting sammen."
Smith ble født i 1906 i Decatur, Indiana, og han jobbet som bilreveter og sveiser før han flyttet til New York, der han studerte ved Art Students League. I 1957 gjorde Museum of Modern Art et tilbakeblikk av arbeidet hans. Livet hans ble forkortet da han døde av skader han pådro seg i en bilulykke i 1965; neste dags nekrolog fra New York Times kalte 59-åringen “en viktig innovatør innen moderne amerikansk skulptur og en pioner innen sveisede jern- og stålkonstruksjoner.”
Crosscurrents: Modern Art fra Sam Rose og Julie Walters Collection
I sitt essay "Breaking the Rules", dokumenterer Virginia M. Mecklenburg, sjefkurator ved Smithsonian American Art Museum, modernismens fremvekst i Amerika, da grensene mellom europeisk og amerikansk kunst og kultur fortsatte å bryte sammen og smelte sammen gjennom det tjuende århundre.
KjøpeEn slik konstruksjon, Agricola- serien på 17 verk - hvorfra den nye lovede gaven kommer - er tittelen for det latinske ordet for "bonde." Prosjektet var Smiths første store serie, hvor han sveiset sammen forlatte maskindeler fra en gård i nærheten hans studio i Bolton Landing, New York.
De flytende konturene av Agricola IV er så kalligrafiske at de fremkaller de grafiske billedlinjene fra Xu Bings 2001, Monkeys Grasp for the Moon, vist på Smithsonian's Sackler Gallery of Art. "Fra alle vinkler blir det noe annerledes og veldig spesielt, " sier Mecklenburg om Smiths skulptur. Museet kaller det "et totem fra den agrariske fortiden", som fungerer som et "emblem for en livsstil som for det meste ble forlatt i den industrielle tidsalderen."
Et annet stykke i showet som delvis fungerer som en tidskapsel er en tidlig akvarell i 1925 av Edward Hopper, House in Italian Quarter, som gjør et besøk tilbake til museet. (Tidligere dukket den opp i utstillingen 1999-2000, "Edward Hopper: Akvarellene, " før den ble kjøpt av Rose og Walters.)
"Jeg var begeistret da jeg visste at de kjøpte den, for da ville jeg vite hvor den var i fremtiden, " sier Mecklenburg.
Maleriet - som kunstneren brukte en rekke teknikker fra våt-til-våt til tørr børstepåføring (alle med blottlagte blyantlinjer) for å skildre et løst, men likevel naturalistisk gjengitt hus - regnes som Hoppers "første virkelige foray" akvareller.
"Han hadde slitt med, " sier Mecklenburg. "Trykkene hans hadde en viss suksess, men i utgangspunktet hadde han bare noen gang solgt ett eneste maleri, og det var utenfor Armory-showet, " med henvisning til den internasjonale utstillingen for moderne kunst fra 1913, som ble arrangert på New Yorks 69. Regiment Armory. Det var den første amerikanske utstillingen for moderne kunst fra Europa.
Som sommer malte han i Gloucester, Massachusetts, tilbragte Hopper mye tid med medkunstneren Jo Nivison, som han ville gifte seg året etter. Gamle hus med mangeårige historier fascinerte spesielt Hopper. I House in Italian Quarter, var Hopper på noen måter "feiret frodigheten av middelhavsfarge, " sier Mecklenburg.
"Det var sommeren som lanserte Hoppers karriere som århundrets store realist, " sier hun. "Det er en følelse av frihet og å komme til sin rett i dette øyeblikket."
Hoppers skildringer av Gloucester-hus er så spesifikke at Mecklenburg var i stand til å kartlegge et besøk i Massachusetts nøyaktig hvor han sto da han malte dem. “De lette innleggene er der. Brannkraftstoffene er fremdeles på samme sted, sier hun. "Hvis du beveger deg ti meter nærmere, eller lenger, eller til den ene siden, var utsikten annerledes."
I tillegg til Smith- og Hopper-verkene, inkluderer utstillingen andre lovede gaver fra Rose og Walters til museet: Wayne Thiebauds 1998 Levee Farms og hans San Francisco West Side Ridge fra 2001, Alex Katz's Black Black Scarf fra 1995. og Georgia O'Keeffes Hibiscus fra 1939 med Plumeria.
"Det er fantastisk å ha den kronologiske rekkevidden og dybden, " sier Mecklenburg. "Vi ser O'Keeffe gjennom 30-pluss år av karrieren. Det er slektskap blant dem alle når det gjelder hvem hun er som maler, men hvert stykke har en veldig annen type personlighet. ”
Utstillingen forteller også historien om andre kunstnere duoen har samlet inn i dybden, inkludert Pablo Picasso, Alice Neel, Romare Bearden, Joseph Stella, Richard Diebenkorn, Wayne Thiebaud og Roy Lichtenstein.
"Det er ikke noe vi har muligheten til å gjøre i et museum så ofte som det ville vært fint, " innrømmer Mecklenburg.
Denne typen utstillinger gir også muligheten til å drille ut brede bevegelser og mening i denne typen arbeidsområder. Mecklenburg unnfanget utstillingen for snart to år siden, mens han så på de syv verkene som Rose og Walters hadde gitt museet gjennom årene, samt deres bredere samling. Hun la merke til at det dukket opp en slags tema og avhandling om hva det betydde å være moderne på 1900-tallet.
"En av de viktigste beslutningene vi tok tidlig, var å vise ikke bare amerikanske malerier, skulpturer, papirverk og akvareller, men å snakke litt om kryssene, " sier hun. “Noe som ikke sier at du ser noe i Marsden Hartley gjenlyste i Picasso. Det er at det er dette tankesettet som virkelig kjører fra de første årene av 1900-tallet helt gjennom for menneskene som i utgangspunktet var villige til å bryte reglene. De følte seg ikke forpliktet til å gjøre det alle hadde gjort før. ”
Den følelsen av å ta risiko, eventyr og se utover var et ”delt underlag” - begge filosofisk og estetisk - som samlet mye av det kunstnerne gjorde på den tiden, ifølge Mecklenburg.
Verk som reflekterer hva kunstnerne tenkte på den gangen florerer i showet, fra Roy Lichtensteins ide fra 1993, som faktisk inneholder et innrammet verk-innen-et-verk som inneholder ordet "idé", til Picassos keramiske verk, hvorav en, " har følelsen av en gammel vegg med fresker som har spor av lag akkumulert over tid, ifølge showets katalog.
Skildringen av det Mecklenburg beskriver som en "kvasi-okse kamp" scene er gjengitt på en måte som minner om hulemaleriene på Altamira i Spania eller Lascaux i Frankrike. "Picasso tenkte mye på forskjellige øyeblikk i livet hans om Spania og hva det betydde, " sier hun. “Det er en ekte følelse av det arkaiske her. Det er en måte for Picasso å både huske og hevde Spania som sin arv. ”
Lichtensteins verk, inkludert Landskapet fra 1977, som fremkaller Rubins Vase - tegningen som ligner begge to ansikter og en vase - vises i avsnittet "doble tar." Tittelen Landscape, Mecklenburg notater, "får deg til å stoppe og ta et minutt å lese den. Det er ikke et landskap. Det er et seascape, sier hun. Figuren i verket som ser ut av et skipsvindu, konstaterer hun, har øyenbrynene laget av måker.
"Han hadde en fantastisk sans for humor, " sier Mecklenburg om Lichtenstein.
Katzs Black Scarf, som er det første verket som konfronterer seere når de kommer inn i showet, har også en viss lekenhet. Maleriet representerer Kats kone Ada, som er "bitteliten" ifølge Mecklenburg. "Maleriet er sannsynligvis like stort som i høyden."
"Hun er slik en befalende tilstedeværelse, " bemerker hun Ada Katz, og bildets begrensede palett, og tynt påført maling bidrar til det dramaet. "Denne fantastiske sveipingen av børsten definerer det hele."
Ikke bare er det å begrense ens estetiske verktøy for å oppnå maksimal tilstedeværelse og betyr en god metaforisk mikrokosmos for kunsten som skal følge i showet, men verket har fordelen av å trekke besøkende inn rett når de går ut av heisen, og det er grunnen til at Mecklenburg valgte det for frontveggen. "Hun var den vinnende vinneren."
"Crosscurrents: Modern Art from Sam Rose and Julie Walters Collection" er å se på Smithsonian American Art Museum i Washington, DC til og med 10. april 2016.
