Fra en beskrivelse av trykket nå, i 2017, høres det helt tradisjonelt ut. En svart-hvitt etsing på papir, en kunstform som har eksistert i 500 år. Et portrett av en kvinne. I bakgrunnen, antagelig et slags hjemlig interiør. En enkel tittel, American Girl .
Men i 1974, da kunstneren Emma Amos laget American Girl, nå i samlingene til Smithsonian American Art Museum, roet landet med sosiale protestbevegelser - for kvinnefrigjøring, for Black Power, for LHBT-rettigheter, for indianerrettigheter. Grupper med en gang ble tauset krevde å bli sett og hørt. Kunstnere støttet disse protestene ikke bare ved marsjering og skriving, men gjennom visuell kunst. Svarte artister diskuterte om spesielle medier eller stiler avanserte raserettferdighet.
Romare Bearden, for eksempel, hadde jobbet i årevis i collage, delvis som en måte å fremheve bilder av virkelige svarte individer på. Debatten sank over hvorvidt det var akseptabelt å være en abstrakt maler, eller om svarte kunstneres verk "trengte å handle om den svarte opplevelsen på noen måte, " mest sannsynlig ved å skildre svarte mennesker, sier Alex Mann, museets kurator for utskrifter og tegninger . Noen kunstnere på den tiden så til Afrika for inspirasjon og søkte å skape kunst for og om afrikanske mennesker over hele verden. Andre laget arbeid som var åpenlyst politisk eller radikal, alt fra skulptur i form av en Molotov-cocktail rettet mot tante Jemima til utskrifter og plakater som ba om handling.
American Girl er et roligere og mer personlig arbeid enn mange av sin tid. Fortsatt er det mange måter en kunstner kan uttale seg om. Amos ville selv fortsette å gjøre et mer åpent politisk arbeid. Mann sier: "Noen ganger snakker du i korte setninger, og noen ganger bruker du poesi."
Amos var innstilt på både borgerrettighetsbevegelsen og den voksende kvinnebevegelsen. Hun ble født i 1938, og vokste opp i hjembyen Martin Luther King Jr., segregerte Atlanta, hvor "hun ikke ville vært velkommen i museet, " sier Mary Ryan, medeier i Ryan Lee Gallery i New York, som representerer Amos i dag. (Kunstneren selv er ikke lenger tilgjengelig for intervjuer, men noen av hennes arbeider fra 1980- til 2010-tallet er å se på galleriet til midten av desember.) Rett etter at Amos flyttet til New York på begynnelsen av 60-tallet, en gruppe av fremtredende svarte artister dannet et kollektiv kalt Spiral, for å diskutere de beste måtene deres arbeid kan støtte årsaken til raserettferdighet. De inviterte Amos til å bli med dem, som gruppens yngste medlem, og eneste kvinne.
Den feministiske kunsthistorikeren Linda Nochlin, som døde i forrige måned, skrev en banebrytende artikkel i 1971, "Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?", Om samfunnsbarrierer kvinner møtte for å bli kunstnere. Som en svart kvinne sto Amos overfor disse hindringene og mer. Hun prøvde å finne jobber som lærte kunst i New York, men ble avvist gjentatte ganger fordi, sier Mann, hun var "ung, kvinnelig, svart." Hun var klar over, sier han, "at hvite kunstnere og spesielt hvite mannlige kunstnere ikke sto overfor samme utfordringer. ”Hun kjempet for å få stemmen sin til å bli hørt, og fant ut at gallerier sjelden stilte ut svarte kunstners malerier. Uten et sted å vise arbeidet sitt, ble hun fristet til å slutte å male helt, og sa til en intervjuer: 'Jeg er lurt av det faktum at jeg blir sittende fast med flere malerier. . . Jeg lager dem uten grunn. Ingen har noen gang sett dem. '”
I 1974, da hun laget American Girl, hadde Amos begynt å bryte seg bort fra Spiral-gruppen, og spurte "om de eldre mannlige, svarte kunstnerne som hadde støttet henne, tok henne på alvor og ga henne full mulighet, " sier Mann. Noen år senere ble Amos medlem av det feministiske kunstkollektivet Heresies, og senere ble hun etter sigende en av de anonyme kunstverdenaktivistene Guerrilla Girls.
American Girl er en del av en portefølje som heter “Impressions: Our World, Vol. 1, ”som gir en uttalelse i seg selv. Laget av trykk av syv svarte artister, både menn og kvinner, og ble produsert på Printmaking Workshop, drevet av den afroamerikanske artisten Robert Blackburn. Det var viktig at en gruppe svarte artister arrangerte prosjektet selv. Mange på den tiden hadde protestert mot museenes unnlatelse av å inkludere afroamerikanernes arbeid, og svarte kunstnere søkte "en stemme i å definere konteksten der [deres] arbeid [ble] vist, " sier Evelyn Hankins, seniorkurator ved Smithsonians Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Alle utskrifter i porteføljen er i svart og hvitt, det samme fargeskjemaet som Spiral hadde valgt på grunn av sin rasekonnotasjon for gruppens utstilling på 1960-tallet.
Som Emma Amos (ovenfor i 2011) ville sagt: "For meg er en svart kvinnekunstner å gå inn i studio, en politisk handling." (Becket Logan) Amos 'valg virker også forteller. På det tidspunktet kunne det å fremstå som svart figur, og spesielt en svart kvinne - en figur som nesten var usynlig i den historiske europeisk-amerikanske kanonen, bli sosial kommentar. Som for å gjøre henne fullt synlig, skildrer Amos kvinnen tilsynelatende naken; Ryan sier at Amos “alltid har vært interessert i skjønnheten i den svarte kroppen.” Den varierende rikheten av svart blekk i kvinnens hår, kropp og ansikt gjenspeiler også valg. "Hver gang jeg tenker på farge er det en politisk uttalelse, " sa Amos en gang. Som kunstnere, "vi snakker alltid om farger, men farger er også hudfarger, og selve begrepet" farget "- det betyr alt annet for meg. Du må velge, som svart kunstner, hvilken farge du skal lage figurene dine. . . butterscotch, brun eller veldig svart. ”De dype tonene fremhever kvinnens bleke, skeptiske øyne og den hvite linjen som skiller henne fra omgivelsene. For Hankins ser hun “atskilt eller isolert fra verden, kanskje avhør hennes sted i verden.”
Emnet for Amos arbeid kan virke personlig, til og med intimt, men i 1974 var setninger som “Det personlige er politiske” og “Svart er vakkert” de protesterende bevegelsens opprørende. Det hadde vært vanskelig å se et verk som dette uten å lese noen beskjeder i det. Kelli Morgan, kuratorial ved Pennsylvania Academy of Fine Arts, som har studert Amos senere arbeider, ser American Girl som "en representasjon av en svart kvinne som grunnlaget for det amerikanske samfunnet." Hun legger til, "Som historiker har jeg lest det som en sosiopolitisk uttalelse. "Som Amos selv vil si noen år senere, " For meg er en svart kvinnekunstner å gå inn i studio en politisk handling. "
Og så er det tittelen på verket, American Girl . Hva betyr det å kalle denne kvinnen en jente? I 1974 var kvinnens frigjøring i lufta, og feminister hevdet at ordet "jente" var nedverdigende. Når det gjelder “amerikanske”, hadde svarte artister dekonstruert betydningen i en tid. Til svar på volden på slutten av 60-tallet hadde Faith Ringgold malt et flagg med ordene “Die N *****” skjult i stjernene og stripene. I 1964 hadde Lois Mailou Jones tatt for seg rase-forhold til Challenge - America, en collage som skildrer svarte helter, amerikanske presidenter, nyhetsutklipp og ordet "America" som snor seg gjennom dem som en tråd. I Amos American Girl ser Morgan ekko av et amerikansk flagg i mønsteret av vertikale striper og hvite flekker på en mørk grunn.
Så og nå, sier Hankins, fungerer som disse reiser "spørsmålet om hva det vil si å være amerikansk."
Hun legger til, "Det er et spørsmål vi ser ut til å slite med mye."
American Girl er foreløpig ikke på visning. Ryan Lee Gallerys utstilling "Emma Amos: Black Bodies" er å se gjennom 16. desember 2017 på 515 West 26th Street, New York, New York.
